Espectaculos - Patria Moreira

Año 6. 2018 .  San Juan.  Argentina.   Email: patriamoreira@gmail.com      www.facebook.com/carlosbecerraart
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Espectaculos

'Mowgli': Andy Serkis presenta la versión oscura de 'El libro de la selva'

¿Será que Warner quiere hacerle la competencia a Disney con los live-action de sus clásicos animados?

La CinemaCon 2018 nos tiene reservadas varias sorpresas, como el estreno de la primera imagen de la adaptación live action de Dumbo, en la que podemos ver al elefante creado con CGI con sus enormes orejas. Pero también Andy Serkis y Warner Bros. tenían preparada una presentación de su cinta Mowgli, basada en el cuento escrito por Rudyard Kipling: El libro de la selva.
Con una proyección de más de dos minutos en la que revelaron material de la película, Serkis -director del largometraje- mencionó las razones por la que este proyecto se distingue de la cinta animada de Disney de 1968 y la estrenada por el mismo estudio en 2016 (vía The Hollywood Reporter):
Con esto queda claro que esta versión del libro será más oscura a comparación con las hechas por Disney, ¿estamos ante el comienzo de una rivalidad en adaptaciones live-action de los clásicos animados? Por un lado está la conocida empresa del ratón y su prácticamente infalible fórmula de plasmar en la pantalla grande historias muy optimistas y fantasiosas; mientas del otro Warner y esta nueva propuesta de ofrecer versiones oscuras y tal vez profundas, en este caso de la misma historia.
El tiempo nos dirá Mowgli  si logra tener el mismo éxito que las otras adaptaciones, ya que recordemos que el live action de El libro de la selva estrenado en 2016 por Disney, fue un éxito en taquilla con sus casi 1,000 millones de dólares acumulados, recaudación que abrió la puerta para una secuela en la que ya está trabajando Jon Favreau pero aún no tiene fecha de estreno.
Mowgli es el segundo largometraje dirigido por Andy Serkis después de Una razón para vivir, pero además también interpretará al oso Baloo. El resto del reparto lo componen Christian Bale como Bagheera, Cate Blanchett en la piel de Kaa, Benedict Cumberbatch haciendo de Shere Khan, entre otros. Su fecha de estreno es el próximo 19 de octubre.
Detalles de Daredevil temporada 3 de Netflix

La actriz Amy Rutberg que interpreta a Marci Stahl en Daredevil temporada 3 de Netflix cuenta detalles de la serie.

En una reciente entrevista la actriz Amy Rutberg habló de Daredevil temporada 3 de Netflix. La serie que están apunto de estrenar y que traerá de nuevo al personaje de Marvel a la plataforma de Stremaing después de su paso por Los Defensores.
¿Hay algo al respecto que pueda decirnos que está emocionado de ver en la tercera temporada, particularmente con su personaje?
“Todo lo que puedo decir es esto: viniendo de la segunda temporada, que rodamos hace tanto tiempo… Cuando recibí la llamada de que Erik Oleson quería hablar conmigo, estaba locamente emocionada… Ya que Marvel es tan reservado y no habían garantizar que Marci Stahl tendría alguna aparición en la temporada tres.
Pero cuando llamó y me dijo cuáles eran sus planes, ¡Me puse como una loca! Porque soy un apasionada de este programa y soy muy apasionado con Marci Stahl. Creo que está tan bien escrita… Es un personaje complejo. Y me encanta la relación de Marci y Foggy”.
¿Puede darnos alguna pista sobre la dirección que toma Daredevil temporada 3 de Netflix?
Entonces… Todavía estoy sintiendo cuánto puedo decir sobre las cosas… Pero esto es lo que puedo decir: Con el final de The Defenders, Daredevil está muerto… Entonces, en realidad, por lo que Foggy sabe, está solo. Y Foggy está trabajando conmigo en Hogarth, ya que estaba en The Defenders, así que los detalles de su relación, ya sea que se trate de colaboradores o no, o románticos o si estamos el uno con el otro, no lo soy libre de decirlo, pero hay una relación.
Ella es una mujer moderna de verdad. Ella tiene algo de mordedura. Y debes morder, pero ¿sabes qué? Ella ama a Foggy, y no tengo miedo de decir eso. Ella siempre ha amado a Foggy, había algo sobre Foggy en la facultad de derecho. Si estaban juntos, o si estaban separados, ella siempre está cuidando su mejor interés. Si eso es realmente lo mejor para él, es realmente de su propia opinión, pero ella siempre es honesta con él. Ese es su niño. Y me gustaría ver que él lo aprecie, francamente.
Para mí, eso es algo así como interesante, ver cómo se desarrolla en la tercera temporada, y si eso es una amistad, compañeros de trabajo o una relación de amor legítima, diré que su relación será muy clara al principio de la temporada.
Apareciste en The Defenders el año pasado y, en cierto momento en Daredevil, tu personaje mencionó a Jessica Jones. Todos estos títulos de Marvel producidos por Netflix se relacionan entre sí ¿Dónde crees que irá o dónde quieres que aparezca Marci?
Me encantaría que apareciera en Jessica Jones, quiero decir. Me encantaría que eso sucediera. Eso no ha aparecido todavía, pero eso no quiere decir que no saldrá mañana. Y… Si hubiera surgido, no podría decirlo de todos modos. Pero, sí, me encantaría ver a Marci hacer una aparición en Jessica Jones… Creo que sería un siguiente paso bastante lógico.
'Predator': alienígenas asesinos contra marginados con mucha testosterona

Shane Black revisa el clásico del cine de acción con Arnold Schwarzenegger de protagonista en un blockbuster convencional pero cargado de buenas dosis de humor.

El fichaje de Shane Black para dirigir esta actualización de 'Predator', uno de los clásicos de la acción testosterónica de los ochent,a no podría resultar, a priori, más acertado. El realizador participó como actor en el film original de John McTiernan dando vida a uno de los integrantes del pelotón que lidera Arnold Schwarzenegger, en concreto al joven con gafas que no para de contar chistes sobre coños y se convierte, no sabemos si por cosas de la justicia poética, en una de las primeras víctimas del depredador. Pero esta colaboración sería solo la guinda en un currículum que lo acredita como uno de los responsables de inyectar una bienvenida dosis de humor en el cine de acción de finales de los ochenta y principios de los noventa a partir de los guiones que firmó para películas como 'Arma letal', 'El último Boy Scout' o 'El último gran héroe'.
En sus inicios como director, Black se decantó por la revisión posmoderna de estos géneros típicamente masculinos en la hiperreferencial 'Kiss Kiss Bang Bang' (2005), a la que ha seguido recientemente la más convencional pero igualmente divertida 'Dos buenos tipos', además de demostrar que también podía ponerse al mando de un blockbuster en 'Iron Man 3'.
Uno de los puntos fuertes del primer 'Depredador' era la escasa presencia visual del antagonista extraterrestre. Al monstruo casi no lo veíamos. Los integrantes del comando liderado por Schwarzenegger eran cazados uno a uno por ese villano llegado de otro planeta que funcionaba como una amenaza casi abstracta en medio de la selva de Guatemala. El alien se hacía notar a través de un punto de vista subjetivo que emulaba el de una cámara termográfica y por el rastro de sus víctimas despellejadas. Así, el poder de la película de John McTiernan residía en su capacidad para construir una tensión en aumento en un espacio abierto pero claustrofóbico que acababa evocando el infierno vivido por los soldados estadounidenses en Vietnam.
Las secuelas y crossovers posteriores otorgaron una presencia más convencional a la figura de estos extraterrestres que consideran nuestro planeta su territorio de caza. La práctica contemporánea del blockbuster, con su sobrecarga de estímulos narrativos y visuales, deja poca oportunidad para el ejercicio del terror abstracto. Así que el nuevo 'Predator' no solo presenta una criatura alienígena claramente definida sino diversos especímenes de la misma procedencia con diferentes formas de relacionarse con los terrícolas. El objetivo sigue siendo el mismo: despellejar humanos en este caso con la idea de extraer el material genético de los individuos más avanzados de nuestra especie para mejorar la suya propia y convertirla en la más poderosa del universo.
Shane Black aporta su mejor baza a 'Predator'. El film se beneficia de un sentido del humor ausente en el original que de paso compensa la inanidad de la trama y lo convencional aunque efectivo de las secuencias de acción. El director refresca parte del espíritu del cine de acción de los ochenta y principios de los noventa a través del grupo de militares renegados que ayudan al protagonista, Quinn McKenna (Boyd Holbrook), a repeler el ataque de los depredadores. Aunque la idea del comando de marginados ya estaba presente en la película de John McTiernan, aquí los protagonistas cobran más entidad. Descartados por el ejército debido a todo tipo de razones (“fui a Afganistán por los talibanes, y me quedé por el opio”, explica uno de ellos), encarnan un concepto mucho más desmitificado, divertido y heterodoxo del heroísmo masculino. Black demuestra su astucia a la hora de mantener el descaro de estos personajes en el Hollywood más políticamente correcto al, por ejemplo, poner todos las frases procaces que en la película original hubiera soltado su propio personaje en boca de un ex soldado... con síndrome de Tourette. La película compensa presuntamente tanta masculinidad desatada incorporando al equipo anti depredadores al personaje de la bióloga a quien da vida Olivia Munn, pero los responsables de 'Predator' no son capaces de otorgarle ningún atractivo particular.
Aunque el film celebre esta vertiente colectiva del cine de acción testosterónica, Shane Black se reserva un chascarrillo en torno a la relectura del héroe de los ochenta como encarnación de la fuerza física y la violencia. El propio Boyd Holbrook poco tiene que ver con el aspecto del musculado Arnold Schwarzenegger. Y además ejerce de padre amantísimo y protector, un tipo de figura heroica por otro lado habitual en el cine de acción a partir de los noventa. La ironía viene por el papel que acaba cobrando en la película su hijo, perfilado como su perfecta antítesis: un muchacho escuálido víctima de los abusones de la escuela por su alto coeficiente de inteligencia y por presentar un trastorno del espectro autista. Por lo que plasma Shane Black en 'Predator', el futuro del los héroes de acción pasa por la inteligencia y no (solo) por la fuerza.


El último explorador

La fascinante historia del británico Percival Harrison Fawcett, desaparecido junto con su hijo a comienzos del siglo pasado mientras se internaba en la selva brasileña, es la base para Z, la ciudad perdida. Su director, el norteamericano James Gray, homenajea al mismo tiempo tanto Aguirre la ira de Dios como al mejor espíritu de Indiana Jones en una película que termina siendo un tratado de clasicismo por partida doble: no sólo recupera el encanto de los relatos de aventuras en parajes remotos y exóticos, sino también una forma de narración cinematográfica que parece casi perdida en las nieblas de la historia.

“No dudo de que Z exista. Lo que dudo es que pueda darte las respuestas que estás buscando”, le dice su eterno compañero de aventuras y amigo entrañable al protagonista de Z, la ciudad perdida, poco antes del inicio de una tercera y definitiva expedición a las profundidades de la selva amazónica, en busca de esa elusiva metrópolis oculta a los ojos de la humanidad y que ha venido ocupando su mente y espíritu por dos décadas. El año es 1925 y el expedicionario en cuestión fue bautizado con el nombre Percival Harrison Fawcett, un personaje creado a imagen y semejanza ficcional del Percy Fawcett real, un oficial de rango del Ejército Británico nacido en 1867 y desaparecido 58 años después, junto a su hijo mayor, en algún lugar cercano al Río Xingú, en territorio brasileño.
La fascinación de Fawcett por hallar los restos de una antiquísima ciudadela comenzó en 1906, cuando tuvo la fortuna de ser enviado al continente sudamericano por la Royal Geographical Society con la misión de cartografiar una serie de fronteras naturales que permitieran dirimir una disputa fronteriza entre Bolivia y Brasil. El hallazgo de una serie de vasijas, teóricamente prehistóricas, en esa primera expedición, le confirmaron la existencia en el pasado remoto de una primitiva pero sofisticada civilización, chispa seminal para una obsesión que insumiría gran parte de su energía física y mental durante los siguientes veinte años. Los datos de la realidad y el libro de investigación y ensayo La ciudad perdida de Z: La última expedición en busca de El Dorado, escrito por el periodista David Grann y publicado el castellano por Plaza y Janés en 2010, son el punto de partida para una versión cinematográfica de la historia, que luego de varias dilaciones y anuncios abortados nunca llegó a tener un estreno comercial en salas de cine en nuestro país. Z, la ciudad perdida puede verse de manera oficial gracias a la modalidad de alquiler del sistema Google Play, aunque desde hace varios meses los seguidores del realizador James Gray han podido disfrutar de sus placeres y dolores de manera non sancta.
Bajo la dirección del responsable de Los dueños de la noche y La traición, la historia de Percy Fawcett, de cómo su vida cambió luego de visitar la selva amazónica y algunas cosas más se transforma en un tratado de clasicismo por partida doble: Z recupera no sólo el encanto de los relatos de aventuras en parajes remotos y exóticos de la literatura decimonónica sino, también, una forma de narración cinematográfica que retoma y actualiza un legado que -como el enigmático orbe que le quita el sueño al protagonista- parece casi perdido en las nieblas de la historia.
El corazón de las tinieblas
“A lo largo de casi un siglo los exploradores lo han sacrificado todo, incluso sus vidas, para hallar la Ciudad de Z”, escribe David Grann en el prólogo de su libro. “La búsqueda de la civilización, y de los incontables hombres que desaparecieron mientras intentaban hallarla, han eclipsado las novelas de búsqueda victorianas de Arthur Conan Doyle y H. Rider Haggard, quienes, casualmente, se sintieron atraídos por la caza de Z en la vida real. En varias ocasiones, tuve que recordarme que todo en esta historia es real: una estrella de cine fue realmente secuestrada por aborígenes; existieron caníbales, ruinas, mapas secretos y espías; hubo exploradores que murieron de inanición, enfermedades, ataques de animales salvajes y flechas venenosas; y en medio de la aventura y la muerte estaba en juego la mismísima comprensión de los habitantes americanos antes de que Cristóbal Colón llegara a las costas del Nuevo Mundo”. Lo que Grann afirma indirectamente es que varias generaciones de lectores y espectadores del siglo pasado (y del presente) han crecido leyendo, escuchando y observando esos relatos con el tamiz de la ficción, los datos y hechos concretos transfigurados por la leyenda, un poco como aquellos que, a mediados del 1800, leían los cuentos de bolsillo del Lejano Oeste, inspirados en las noticas o en versiones orales de los acontecimientos reales que tenían lugar casi al mismo tiempo. Muchas veces, advierte Grann, la aventura real y la aventura como género literario o cinematográfico están más entrelazadas de lo que puede llegar a imaginarse, a pesar de las costuras y ornamentos que toda buena ficción requiere de sus autores para llegar a buen puerto narrativo. El redescubrimiento de la ciudad perdida de Machu Picchu en 1911, referido en una breve escena en la película de Gray, o el posterior hallazgo de la tumba del faraón Tutankamón en Egipto –por citar apenas dos ejemplos de célebres “descubrimientos” de esos tiempos–, marcaron a fuego los albores del siglo XX, una era en la cual todavía existían lugares del planeta jamás visitados por el hombre (el blanco, al menos) y secretos del pasado remoto que aún no habían sido desempolvados y estudiados por la ciencia. Ese positivismo optimista, sumado al deseo de abandonar formas de vida establecidas y confortables para con el cuerpo y la mente, confluyen como afluentes en la figura de Percy Fawcett, un Aguirre que nunca se deja vencer por el canto de sirena de la locura o encantar por los oropeles del corazón de las tinieblas oculto en el desierto verde.
Las referencias a una de las películas más famosas del alemán viajero Werner Herzog y al libro de Joseph Conrad (y a su célebre y muy libre adaptación cinematográfica) no es casual. Y no sólo por las relaciones temáticas que se establecen de manera casi automática. El rodaje de Z, la ciudad perdida no habrá sido tan caótico como el de Aguirre, la ira de Dios o salvaje como el de Apocalipsis Now (los adjetivos pueden intercambiarse), pero indudablemente estuvo atravesado por una serie de dificultades, tanto operativas como humanas. Eso es lo que llegó a afirmar el realizador –un poco a regañadientes– luego del estreno mundial del largometraje en el Festival de Berlín, a comienzos del año pasado, en una entrevista con la revista Slant: “No me gusta hablar mucho de eso. Me gustaría que la película se defienda sola. No quiero que el público vaya a verla sólo porque fue difícil hacerla. Fue físicamente horrible, pero obviamente no es lo mismo que atravesar algún tipo de infierno físico. Desde luego, te enfrentas a temperaturas de 38 grados con cien por ciento de humedad, insectos, cocodrilos, serpientes, arañas y todo eso. Me gusta, incluso diría que amo, Fitzcarraldo, pero mi película favorita de Herzog sigue siendo Aguirre; creo que es una de las más grandes películas de todos los tiempos. Y, por supuesto, está Apocalipsis Now. Esa es una película muy diferente, ubicada en un lugar diferente, pero estamos hablando de las dificultades de producción y eso es lo que todas estas películas tienen en común. A pesar de las similitudes, puse mucha presión para no repetir lo que habían hecho Coppola o Herzog, ya que estaba tratando de crear algo distinto”. Se trata, indudablemente, de parientes lejanos con rasgos en común: allí están la pequeña ópera incrustada en el medio de la selva (pequeño remanso para el empresario del caucho brasileño interpretado por un irreconocible Franco Nero), los paseos en balsa en medio de una lluvia de flechas, las temibles amenazas de la insania y la falta de alimentos, la posibilidad de hallar a algún coronel Kurtz de ocasión.
El fin de la aventura
La saga aventurera de Fawcett no está marcada por el horror de la guerra de guerrillas, la obsesión por las riquezas o las ambiciones desmedidas sino por un intenso deseo de confirmar las intuiciones del intelecto y el espíritu en un doble fin de época: el de un ya resquebrajado pero resistente Imperio Británico y el de un concepto de ciencia general que englobaba y aglutinaba, antes de su atomización en millones de partículas de investigación independiente y especializada. El director de la también inédita en nuestro país The Immigrant conjuga de esa manera una cierta tendencia al clasicismo –que ya estaba presente en gran parte de su obra previa– con el deseo de abandonar el confort del estudio y la posproducción digital, saliendo en busca de un realismo que sólo el rodaje en locación parece ser capaz de ofrecer. Como si el proceso de filmación de una película fuera esencialmente eso: una aventura, comparable en cierto grado (menor, si se quiere) a la reflejada en pantalla. El Percy Fawcett interpretado por el inglés Charlie Hunnam es todo lo que un caballero británico debe ser, pero el guion, escrito por el propio Gray, incorpora en el personaje una creciente conciencia humanista que parece ir en contra del pensamiento hegemónico de la sociedad que lo rodea, muy particularmente dentro de los reducidos círculos militares y científicos de los que forma parte. Es una virtud nada menor de la película que la mirada del protagonista nunca se tiña de un ecologismo anacrónico o, peor aún, de revisionismo sobre la problemática aborigen, que bien podría haber convertido a Z en un convencional producto culpógeno diseñado para el consumo veloz y descartable. Fawcett es, por otro lado, una criatura sumamente contradictoria: el encendido discurso frente a una multitud enfervorizada, enfrentada al núcleo de sus ideas, su defensa de la necesidad de mantener la “cabeza abierta” (sic) ante la aparición de nuevas pruebas que podrían desbaratar teorías anquilosadas, es seguida algunos minutos más tarde por una defensa de los roles y espacios establecidos socialmente para el hombre y la mujer. “Estoy de acuerdo en la igualdad de mente entre ambos, pero no en la física”, le dice con clásica seriedad masculina a su esposa Nina (Sienna Miller), madre de sus tres hijos, ante la sugerencia de que, por una vez, podría dejar el seno del hogar y acompañarlo en uno de los viajes a la selva.
Además de aventurero empedernido, Percy Fawcett es padre, y en la relación lejana con sus hijos –a quienes deja de ver durante meses e incluso años en cada una de las visitas a la jungla, como así también durante su paso por el frente de batalla de la Gran Guerra– se juega una parte esencial de las ambigüedades del personaje: el deseo de viajar a sitios lejanos y peligrosos en compañía de otros hombres, el ardiente deseo de demostrar sus intuiciones, la necesidad de edificar una identidad en base a ideales diferentes al de la familia, construyen al Fawcett público pero también al íntimo. El personaje de Henry Costin, su fiel amigo y compañero de ruta, interpretado por un Robert Pattinson cada vez más multifacético, resulta esencial en término dramáticos: es el espejo en el cual el protagonista se ve reflejado, tanto en las similitudes como en las diferencias que el paso del tiempo y las circunstancias de la vida comienzan a hacer cada vez más evidentes. De esa manera –a fuerza de obcecación y ansias irreprimibles, contra todo y contra todos, magnificado por su desaparición de la faz de la tierra– y a diferencia de otros exploradores más famosos y reputados de la historia como David Livingstone o Richard Francis Burton, la figura de Fawcett adquiere la pátina del misterio, de la aventura visceral que va más allá del prestigio de la antropología y las ciencias duras. Hay algo de él en el Kay Hoog del primer Fritz Lang, Las arañas, y en su reconversión tardía, Harald Berger, el arquitecto aventurero de La tumba india y El tigre de Eschnapur. También, desde luego, en Indiana Jones, en quien confluyen ideas, intereses y características de decenas de pares literarios y cinematográficos. El gran logro de la película de James Gray es saber pararse en el filo de dos continentes -el de la fantasía inflamada y el realismo más salvaje- sin caerse en las profundas aguas (o arenas movedizas) que los separan.
Spider-Man para PS4 tendrá un modo Nueva Partida Plus

Insomniac Games ha confirmado que Spider-Man, lo nuevo del Hombre Araña para PS4, tendrá un modo Nueva Partida Plus. Os contamos todos los detalles.
Spider-Man para PS4 ya está a la venta. Tal está siendo su éxito, que Insomniac Games ya ha hablado sobre la posibilidad de desarrollar una secuela. Por el momento, el estudio no tiene en mente continuar la historia del superhéroe con una nueva entrega, aunque sí que seguirá ofreciendo contenido para la misma con un modo Nueva Partida Plus.
Spider-Man para PS4 continuará con tres DLCs bajo el nombre Spider-Man: The City that Never Sleeps, pero Insomniac Games lanzará también el modo Nueva Partida Plus que ya recibió God of War hace unos meses. El estudio no ha ofrecido más detalles sobre él, pero ha asegurado que se encuentra trabajando en ello a través de su cuenta oficial en Twitter.
Con él, cabe esperar que los jugadores podrán empezar una nueva partida en Spider-Man para PS4 con todas los habilidades y objetos que hayan obtenido para enfrentarse a enemigos más difíciles. Para hacer la espera más amena, os dejamos con nuestro análisis de Spider-Man para PS4. Y os recordamos que el primer DLC del juego, The Heist, estará disponible el próximo día 23 de octubre.


Marvel anuncia la serie con el regreso de Conan

Conan vuelve a Marvel, y lo hará con su nueva serie en enero de 2019, Conan the Barbarian. Escrita por Jason Aaron y dibujada por Mahmud Asrar, con portadas de Isab Ridic… como la que Marvel ha mostrado con el anuncio y os reproducimos en esta noticia.
Aaron se ha declarado fan incondicional de la creación de Robert E. Howard, pues creció leyendo sus cómics y disfrutó de los relatos originales. Recordemos que Conan se publicó en formato relato pulp, dentro de la revista Weird Tales, en 1932, adquiriendo gran fama. Saltó a los cómics en 1970, en Marvel, llegando a ser uno de los títulos de culto de la época con una saga inicial inolvidable, obra de Roy Thomas y Barry Windsor-Smith. Tanta fama tuvo que protagonizó varios títulos más, incluso algunos orientados a público más adulto.
En la última década Conan ha estado siendo publicado por la editorial Dark Horse… pero los derechos regresan ahora a Marvel… y ya estamos impacientes de leer sus nuevas aventuras.
Joaquin Phoenix como el Joker

En la imagen se puede ver al nuevo Joker, el cual recuerda al interpretado por Jack Nicholson.

Ha pasado más de una semana desde que se confirmó que Joaquin Phoenix iba a interpretar al Joker. Desde ese día, los fanáticos de DC Comics desean ver un adelanto de cómo se vería el actor encarnando al mítico enemigo de Batman.
Al parecer no han tenido que esperar que empiece el rodaje para que puedan cumplir su deseo, ya que un usuario de Reddit ha podido ilustrar al Phoenix como el Joker.
La imagen muestra a la nueva interpretación del payaso del crimen con un aspecto sobrio, aunque bastante inquietante sin dejar de lado su característico rostro blanco y labios carmesí.
Además, se observa que cuenta con un abrigo verde oscuro y un saco color púrpura. Muchos fanáticos del personaje concuerdan a que el artista se inspiró en el Joker de Jack Nicholson.
La esperada película estará escrita y dirigida por Todd Phillips y según rumores su origen se basará en la novela gráfica 'La broma asesina', el cual muestra como un cómico de poca monta se convierte en un criminal psicópata después de pasar un mal día.
La cinta contará con Phoenix como el payaso del crimen, además de conocidos actores como Frances Conroy, Robert De Niro y Marc Maron.
Warner Bros. ha confirmado que la película del Joker será independiente y no formará parte del Universo Expandido de DC.  La fecha de estreno está prevista para el 4 de octubre de 2019.


¡Qué tal historia! Origen de Venom involucra a Wolverine en nuevo cómic de Marvel

La historia entre ambos superhéroes de Marvel tiene lugar en un importante evento bélico estadounidense en la década de 1960 y 1970.

Los tiempos pasan y Venom ha dejado de ser el mismo. El escritor Donny Cates y el artista Ryan Stegman han reinventado la historia original del simbionte de tal forma que ahora Venom y Wolverine tienen un pasado común.
El comic Web of Venom: Ve'Nam #1 cuenta la historia de Rex Strickland, un veterano de la guerra de Vietnam que fue inducido en un experimento para vincularse con el simbionte. Este fue descubierto por Nick Fury y SHIELD en el hielo tras la pérdida de Capitán América. La finalidad del experimento con el simbionte era crear nuevos y poderosos soldados.
Como las pruebas se salieron de control, Nick Fury contactó con Wolverine para liquidar a los supersoldados que fueron infectados con el simbionte en plena guerra de Vietnam.
La tarea parecía fácil hasta que Wolverine se enfrenta a Rex. Fue este último quien salvó Wolverine de una muerte segura tras controlar el simbionte en el último momento.
El fracaso del proyecto significó una mancha en el expediente de Nick Fury y una amonestación en el registro de Wolverine. ¿Será acaso que más adelante Venom se enfrente a más supehéroes de Marvel?
'Capitana Marvel' está inspirada en 'Terminator 2'

El próximo estreno de Marvel llegará a la gran pantalla el 8 de marzo de 2019.

El 8 de marzo de 2019 llegará a las salas de cine españolas Capitana Marvel, la superheroína que, como mostraba la escena postcréditos de Vengadores: Infinity War, podría ser una pieza clave para la salvación del universo tras el famoso chasquido de Thanos. Ambientada en los años 90, podremos ver cómo Carol Denvers (Brie Larson) pasa de ser una integrante de la Fuerza Aérea de EE.UU. a convertirse en una superheroína. Y para ello, Kevin Feige, el presidente de Marvel Studios, ha confesado que la cinta se ha inspirado en una película de la época: Terminator 2: El juicio final. (Vía Cinemablend).
Feige ha confirmado que la principal razón para tomar como ejemplo esta película han sido “las peleas callejeras y las persecuciones de coches”, por lo que se podría deducir que esta inspiración se verá reflejada en las escenas de acción, ya que ambos filmes no tienen demasiado en común. Terminator 2 está protagonizada por un robot asesino y la cinta de Marvel gira en torno a una superheroína que consigue sus poderes por una fusión entre genes humano y extraterrestre. Dos tramas muy diferentes entre sí y con poca relación, más allá de que ambas pertenezcan al género de la ciencia ficción.
A seis meses del ansiado estreno de Marvel, poco se sabe de la cinta más allá de que mostrará la historia de los orígenes del personaje y un enfrentamiento entre dos peligrosas razas alienígenas: los skrulls y los kree. Pero por suerte para los seguidores de la superheroína, Brie Larson ha publicado un tuit dejando claro que "quiere romper Internet" y que, muy probablemente, estaría relacionado con un adelanto de la cinta que podríamos ver hoy.
La respuesta del medio Entertainment Weekly hacia la propuesta de Larson no ha dejado indiferente a los usuarios, que deberán estar atentos a esta red social para descubrir qué se publicará.
¡Estaremos pendientes de todos los detalles!
Batman: Last Knight on Earth tendrá doble tamaño

La última historia del hombre murciélago a cargo de Scott Snyder y Greg Capullo será una miniserie limitada de tres números.

El dibujante Greg Capullo reveló que Batman: The Last Knight on Earth, el nuevo cómic de la nueva Black Label de DC Comics, y que realizará con su partner Scott Snyder, será una historieta de tres números que tendrá el doble tamaño de páginas de un cómic tradicional. Es decir, tendrá 48 páginas de historia.
La línea Black Label será para cómics de autores de prestigio, que presentarán cómics que no tendrán las amarras del canon necesariamente. De ahí que el cómic de Snyder y Capullo presentará cómo Batman despierta en medio del desierto, sin saber qué año es y por qué la cabeza del Joker está viva en un jarrón que está a su lado.
Batman: The Last Knight se instalará así es un “futuro extraño” en donde los villanos triunfan y la sociedad se liberó del peso de los códigos éticos. Será ahí que Bruce Wayne buscará respuestas y descubrirá su rol en un nuevo mundo, en lo que es promocionado como “la última historia de Batman jamás contada”.
For Honor - Análisis del juego de acción medieval de Ubisoft


La Historia no quiso que se enfrentaran en el campo de batalla, pero Ubisoft se toma la licencia y nos junta en un sólo juego a los caballeros medievales, vikingos y samuráis. ¿De qué lado vais a estar?

Sangre y arena cubren nuestras manos después de haber luchado en el campo de batalla de For Honor, la nueva franquicia de Ubisoft que es una apuesta por la acción multijugador. Espadas medievales, hachas vikingas y katanas japonesas hicieron su primera aparición en el E3 2015 cuando Jason Vandenbergh, responsable creativo de For Honor, presentó el juego en sociedad. Un título con un fuerte componente multijugador, pero al que no le falta su propio modo campaña. Tras lanzar su beta cerrada y beta abierta, ha llegado el momento de jurar lealtad al código de cada facción y analizar todo lo que nos propone el juego de Ubisoft.
Los caballeros, vikingos y samuráis han generado todo un imaginario colectivo a su alrededor con cientos, por no hablar de miles, de libros, películas, videojuegos, obras de teatro y hasta canciones en las que son protagonistas. Su imagen es sugerente, evocadora y épica. Todos ellos han medido sus fuerzas en los campos de batalla más duros para tratar de conseguir la paz en sus territorios, pero la Historia nunca ha querido que se enfrenten entre ellos, al menos hasta ahora. En For Honor, estas tres famosas facciones entran en conflicto en una Edad Media de fantasía que ha surgido tras un gran cataclismo.
La desesperación y la codicia no son buenos aliados
El modo campaña de For Honor nos traslada cientos de años después de que una catástrofe haya cambiado el mundo. Caballeros, vikingos y samuráis se han adaptado al medio y tienen el poder de desafiarse los unos a los otros rompiendo el frágil equilibrio existente hasta ese momento. Ya nadie recuerda las razones por las que comenzó la guerra, pero todos quieren asegurar la victoria para su bando. Dividido en tres capítulos, que a su vez tienen seis niveles, el modo campaña nos va presentando los diferentes guerreros que forman parte de cada una de las facciones de For Honor y lo hace en un orden descendente. Es decir, los primeros niveles se desarrollan 12 años antes de los últimos acontecimientos que nos van a narrar en el juego.
Los caballeros fueron enviados por la Legión de Hierro para llevar la paz hasta Ashfeld, pero en los últimos tiempos se han visto amenazados por la Legión Piedranegra, dirigida por Apollyon, que quiere reunir a todos los caballeros bajo un mismo estandarte y así luchar todos juntos contra los vikingos y samuráis. Según el líder de los Piedranegra, es el único modo de garantizar la libertad. Los caballeros cuentan en sus filas con cuatro tipos de héroes: Guardianes, Pacificadores, Conquistadores y Justicieros.
Los vikingos son la segunda facción con la que jugamos en el modo campaña de For Honor. Tras desaparecer durante años, por una serie de acontecimientos que no vamos a destripar, los guerreros vikingos han vuelto con fuerzas renovadas para reclamar sus territorios y en especial su antiguo hogar en el norte: Valkeinheim. El problema es que no todas las casas vikingas quieren remar hacia el mismo camino de la paz. Los héroes vikingos son Invasores, Berserkers, Huscarles y Valquirias. Por cierto, si sois fans de la serie Vikingos, hay un nombre que os sonara.
Por último, tenemos a los samuráis. Estos míticos luchadores del antiguo Japón han sido exiliados de su tierra natal. Tras sobreponerse, han levantado un nuevo Imperio cerca de las tierras que reclaman los vikingos. Ahora dependen de sus habilidades y su ancestral cultura para sobrevivir, ya que es posible que sean los últimos de su pueblo. Los héroes de esta facción en For Honor son Kensei, Orochi, Shugoki y Nobushi.
El modo campaña tiene una duración aproximada de unas 8 horas que pueden variar si eres muy hábil con la espada o si te olvidas de recoger los objetos coleccionables, que los hay. La verdad es que la historia es un poco irregular y es más una excusa para juntar a caballeros, vikingos y samuráis en un mismo escenario. Nos hemos encontrado con grandes momentos de acción, especialmente en las misiones de los vikingos, pero también ciertas situaciones en las que personajes y ambientación están un poco desaprovechados, sobre todo en la parte de los caballeros. El modo historia, además, sirve para enseñarnos las habilidades y combos de los diferentes guerreros. En una única partida es imposible memorizar todo lo que pueden hacer cada uno de los personajes ya que, dependiendo de si son del tipo vanguardia, asesinos, pesados o híbridos, pelearan de una manera u otra. No os creáis que todo es pulsar R1 o R2, habrá que combinar multitud de botones para lograr dar el golpe más certero.
Las misiones se basan en llegar hasta un objetivo concreto, pelear con varios enemigos y luchar contra un jefe que, en más de una ocasión, nos pondrá las cosas difíciles para vencerle. Estas peleas son una auténtica prueba para ver si nos hemos aprendido bien las mecánicas de juego. Los escenarios para el modo campaña se han diseñado para la ocasión y son diferentes a los del modo multijugador. No son abiertos, pero sí lo suficientemente amplios para que puedas elegir el mejor camino para afrontar batalla. Si eres de los que te gusta coleccionar y quieres tener todos los trofeos de For Honor, tendrás que recorrerlos a conciencia para encontrar puntos observables con los que se nos dan nuevos detalles de la historia y vasijas rompibles, gracias a las que desbloquearemos nuevas armas, elementos para la armadura y objetos de decoración para personalizar a nuestro personaje.
1000 años de batallas nos aguardan
Luchad y puede que muráis. Huid y viviréis, al menos un tiempo. Tanto el modo campaña como el modo multijugador cuentan con un mismo sistema de combate que ha resultado de lo más convincente y atractivo. Basado en la defensa y el ataque, tiene un gran componente estratégico ya que debemos estudiar qué acciones va a realizar nuestro enemigo o si seremos nosotros los que atacaremos primero con el consiguiente riesgo de caer heridos.
Con el joystick izquierdo, y antes de que nos ataquen, debemos elegir qué lado queremos proteger: izquierdo, derecho o arriba. Los reflejos y la táctica son fundamentales para superar cada escaramuza sin rasguños. El ataque es muy similar. Dependiendo del comportamiento de nuestro enemigo, seleccionamos con el joystick izquierdo la dirección en la que queremos atacar para después golpear con R1, golpe ligero, o con R2, golpe potente. Ojo con este segundo golpe porque nuestra energía se agotará antes y seremos más vulnerables ante el enemigo. Además, en plena batalla contamos con algunas habilidades como el modo venganza que tiene todos los guerreros y que se desbloquea si hemos repelido muchos ataques enemigos. Por otro lado, contamos con las proezas, características especiales de nuestro personaje que se seleccionan antes de cada misión. Algunos ejemplos son Ansia de sangre con la que al matar a nuestros rivales potenciamos nuestro ataque o defensa y Ejecutor con la que nos curamos ligeramente tras hacer una ejecución, pero hay muchos más.
Para salir victoriosos, no sólo nos defendemos y atacamos. Existe la posibilidad de esquivar los golpes haciendo una voltereta, romper la guardia de nuestro enemigo para golpearle, hacer un combo que le pille desprevenido o salir corriendo si la cosa se pone fea. Si nos rodean varios enemigos, lo más probable es que besemos el suelo y en especial si son de los más fuertes.No sabemos si, consciente o inconscientemente, Ubisoft nos propone seguir muchas de las tácticas y estrategias militares del manual El arte de la guerra de Sun Zi. Es decir, observar, aproximarse a la batalla, buscar una estrategia ofensiva, no agotar nuestra energía, buscar los puntos débiles y fuertes de nuestro enemigo, investigar el terreno para usarlo a nuestro favor y no tener miedo ante lo que pueda pasar en la batalla. Mejor morir con honor que vivir en la vergüenza.
Manteneos firmes y no os separéis
Tras desmenuzar en qué consiste el modo campaña y el sistema de combate de For Honor, ha llegado el momento de hablar de su completo modo multijugador en el que Ubisoft nos propone enfrentarnos a diferentes modalidades de lucha y afrontar distintas tácticas.  Actualmente disponemos de tres modalidades: Duelo y Pelea, Dominio y Combate a muerte, aunque dentro de cada una de ellas nos encontramos otras formas de juego. Se espera que en el futuro se incluyan más modalidades y se active el modo Evento que todavía no hemos olido. Todos los modos de juego se pueden disfrutar en compañía de otros usuarios o luchando contra una IA predefinida.
Duelo y Pelea: Enfrentamiento de 1 vs 1 o 2 vs 2 al mejor de cinco rondas. Es el modo más sencillo del multijugador y sirve para subir de nivel. Aquí, la estrategia es fundamental y hay que estar muy atentos a las acciones de nuestro rival para aprender su forma de combatir.
Dominio: Es el modo más complejo y también espectacular por todo lo que implica. Dos equipos formados por cuatro jugadores tienen que conquistar tres territorios de un mapa. Si recuperamos una zona o matamos a un enemigo nos dan puntos. Si nuestro equipo sobrepasa los 1000, desmoralizará al equipo rival y en caso de morir no podrán resucitar. No hay que dar nada por ganado porque la suerte se puede dar la vuelta contra nosotros. Es el modo más divertido y el que exige mayor compenetración con nuestros compañeros. Mucho cuidado porque en más de una ocasión es posible caer en “fuego” aliado y acabar atacando sin querer a algún luchador de nuestro equipo, especialmente cuando estamos todos amontonados en una misma zona. Ojo también a quedar rodeados por tres enemigos, imposible sobrevivir a este ataque múltiple y mucho más si te quedas de espalda a una pared o muro.
Combate a muerte: Combate 4 vs 4 en modo escaramuza o eliminación. El primero consiste en derrotar al otro equipo alcanzando 1000 puntos, mientras que en el segundo debemos eliminar a todos sus héroes sin posibilidad de que vuelvan a reaparecer. Desgraciadamente, este modo de juego nos ha dado varios problemas de conexión a la hora de querer conectar con otros usuarios. Por lo que hemos podido probar, la gran diferencia con el modo duelo es el número de jugadores que están al mismo tiempo en el mapa y que hay ítems para poder recuperar vida, aumentar el daño por ataque o recibir menos daño.
Por último, tenemos el modo Guerra de Facciones, una especie de Risk o Europa Universalis IV, en el que accedemos a un mapa con diferentes territorios que son conquistados por caballeros, vikingos o samuráis. Al iniciar el juego, debemos elegir de qué bando estamos y así defender nuestro territorio o conquistar los de las facciones rivales. Si aumentamos nuestro dominio, desbloquearemos nuevo equipamiento para nuestra bando y los mapas mostrarán nuestros estandartes. Pues sí, For Honor tiene micropagos y no nos extrañaría que algunos usuarios terminaran utilizándolos para conseguir más experiencia y subir de nivel más rápido. Cada vez que ganamos una partida, nos dan entre 30 y 50 piezas de acero por lo que cuesta mucho ahorrar para poder acceder a la tienda y desbloquear nuevos personajes, texturas para la personalización a los personajes, ect. Por ahora, los micropagos que podemos encontrar son un pack de proezas y diversos packs de atuendos para los héroes. A nosotros no nos ha afectado a la hora de jugar, pero no sabemos si a la larga acabaremos teniendo jugadores que han alcanzado un mayor nivel por estas "ventajas"
Una sugerente ambientación
A nivel técnico, es uno de los mejores juegos de Ubisoft de los últimos tiempos a la altura Watch Dogs 2 o Steep, incluso superior. Los gráficos brillan en la recreación de los personajes y sus animaciones, armaduras y armas. Aunque el argumento es todo ficción, los caballeros, vikingos y samuráis se inspiran en la verdadera Historia. El modo de personalización es profundo, aunque al principio no tendremos muchas opciones para mejorar a nuestros personajes. Lo bueno es que, una vez que empezamos a recolectar piezas de armas o emblemas, podemos adaptar el héroe a nuestra forma de jugar: más defensiva o más atacante. Una de las cosas que más hemos disfrutado es la creación de nuestro propio escudo de armas, parece una tontería, pero tiene su gracia elegir cada uno de sus elementos.
Los escenarios también están a muy buen nivel, tanto en el modo campaña como en el multijugador. Son variados y tienen un gran gusto por el detalle. Por ejemplo, en la catedral medieval se observan policromías de estrella o rosetones sin vidrieras por la destrucción. Podría estar inspirada en el románico o gótico inglés. Todos son un fiel reflejo de las facciones a las que representan y, a pesar de ser lineales, cuentan con multitud de caminos que seguir y rutas alternativas para pillar desprevenido al contrario. La tasa de frames es estable y el juego corre 30 fps y 1080p. Durante nuestra partida, sólo nos hemos encontrado algún pequeño glitch, como una flecha voladora que no encontró su destino. En PS4 Pro hay una mayor resolución de texturas y algún detalle extra en los efectos especiales. En el apartado de sonido tenemos una excelente banda sonora original compuesta por Saunder Jurriaans y Danny Bensi. Las melodías nos ayudan a entrar en el modo historia y tratan de crear una identidad en las diferentes facciones del juego. Por ejemplo, en la pieza Vikings - Warrior Spirit, utilizan lo que parecen cuernos vikingos, mientras que en Knights - Promises, suenan coros y tambores. En cuanto al doblaje, For Honor está completamente en español y cuenta con reputadas voces de nuestro país como Ana María Marí, actriz de doblaje que presta su voz a Brienne de Tarth en Juego de Tronos. Como suele ser habitual en Ubisoft, se ha realizado un buen trabajo en la selección de los actores y nos ha parecido que cada personaje encajaba bien con su voz.
Lucha con honor y sin miedo
For Honor es un juego entretenido y que se disfruta mucho en su modo multijugador. Las partidas son de lo más intensas y no se nos ha hecho repetitivo en ningún momento, ya que la forma de jugar de cada luchador es diferente. For Honor es un juego para los amantes del multijugador, si esperar un modo campaña apasionante a lo Assassin's Creed, aquí no lo vas a encontrar. En ese sentido, creemos que se podía haber cuidado un poco más y hacer que fuera algo más interesante. Se siente desaprovechada, aunque ayuda a conocer algunos movimientos y jugar con todos los personajes de las diferentes facciones, algo que sólo ocurre en el multijugador si los compramos con nuestro acero.
Lo que sí nos ha maravillado es su sistema de combate en el que controlamos a nuestro personaje por completo, el auténtico arte de la guerra en el que sentimos la espada en nuestras manos y la pesadez del escudo cuando nos quedamos sin energía. La observación y una buena técnica son la clave, no siempre la fuerza bruta tiene que ganar. En el lado negativo, hemos sufrido varios errores de matchmaking y los tiempos de búsqueda son excesivamente largos en algunas ocasiones. Esperemos que se vaya solucionando con el paso de las semanas para poder disfrutar al 100 % del modo multijugador.
For Honor salió a la venta el 14 de febrero de 2017 para PS4, Xbox One y PC para que vivamos auténticas batallas medievales. Os aclaramos algunas dudas recurrentes por si os ha llamado la atención el juego de los caballeros, samuráis y vikingos. Para poder jugar es necesario tener conexión permanente a Internet y, para disputar partidas en el modo multijugador, contar con servicios como PS Plus o Xbox Live.
VALORACIÓN
For Honor es un juego de acción que está lleno de buenas intenciones y que brilla en su modo multijugador: absorbente y bien planteado. Destaca su sistema de combate en el que tienes que estudiar al rival y ser preciso en el ataque. Una gozada para todos los que disfrutan con un toque de estrategia entre tanta acción.


Spider-Man, todo lo que sabemos hasta ahora del exclusivo de PS4

clamado como uno de los héroes más populares de Marvel, 'Spider-Man' ha contado con numerosas apariciones en videojuegos hasta la fecha, pero ninguna tan espectacular como la que propone Insomniac Games, creadores de 'Ratchet and Clank' o 'Sunset Overdrive'.
De hecho, el juego de mundo abierto de Xbox One sirvió al equipo para adentrarse en el reto de presentarnos una isla de Manhattan disfrutable y, sobre todo, que el movimiento por ella fuese lo más cercano posible a controlar al trepamuros. Si tú también estás babeando con la idea de poder jugarlo ya en PS4, aquí tienes todo lo que necesitas saber sobre 'Spider-Man'.
La historia de Spider-Man para PS4
Alejado del hilo de las recientes películas de Marvel y del resto de videojuegos que han salido hasta la fecha, la historia de este 'Spider-Man' pretende crear un mundo en el que la vida de Peter Parker y su alter ego colisionen constantemente. Algo así como un simulador de superhéroe en el que, además, tienes que llevar una vida normal.
de 'Ratchet and Clank' o 'Sunset Overdrive'. De hecho, el juego de mundo abierto de Xbox One sirvió al equipo para adentrarse en el reto de presentarnos una isla de Manhattan disfrutable y, sobre todo, que el movimiento por ella fuese lo más cercano posible a controlar al trepamuros. Si tú también estás babeando con la idea de poder jugarlo ya en PS4, aquí tienes todo lo que necesitas saber sobre 'Spider-Man'.
Jugando a Spider-Man
Jugando como 'Spider-Man' tendremos la posibilidad de disfrutar desplazándonos por la ciudad con un nuevo sistema de balanceo basado en físicas. La idea es acercarse a lo que ya se entregó en el 'Spider-Man 2' de PS2, con telarañas que realmente se enganchan a los edificios y la necesidad de mantener la velocidad para poder movernos de aquí para allá como si fuésemos el mítico superhéroe.
Se añade también un sistema de parkour mediante el que podremos movernos corriendo por el escenario de la forma más espectacular posible. Eso, sumado al uso del entorno para encarar los combates, es sin duda lo que más ha llamado la atención del juego desde su anuncio.
Al grupo habitual de habilidades del personaje, desde lanzar telarañas, subir por las paredes y aprovechar nuestro sentido arácnido, se sumará también la opción de encarar los combates desde un punto más estratégico, haciendo uso del sigilo para no ser descubiertos e ir eliminando enemigos poco a poco.
Lo que más miedo da es qué uso se le dará a los eventos QTE, pero desde Insomniac han asegurado que esas escenas son sólo una pequeña parte de todo lo que ofrece el juego y que, además, las combinaciones de botones estarán en consonancia con las acciones que normalmente utilizamos para intentar no romper el momento. Queda por ver si tienen razón y momentos como esos y aquellos en los que controlaremos a Peter Parker sin traje, o incluso a Mary Jane, pueden ser igual de entretenidos.
Cameos, villanos y más sorpresas
Aunque el universo e historia que proponen para este 'Spider-Man' es muy distinta a la que estamos habituados, eso no significa que el juego se vaya olvidar de la enorme cantidad de personajes principales y secundarios que hay por explotar. Ya en su primer tráiler pudimos ver a Miles Morales y, de hecho, no será el único que asomará de vez en cuando por la historia.
Aseguran que habrá más enemigos conocidos más allá del Señor Negativo y Kingpin, pero que al tratarse de una historia propia es posible que veamos a personajes que conocemos en situaciones completamente distintas a las habituales. En más de una ocasión han repetido que, pese a ser un juego de 'Spider-Man', la historia es principalmente sobre Peter Parker.
De poco importa todo eso sabiendo que Marvel está controlando todo el desarrollo para que las cosas no se descontrolen y que, más allá de lo interesante que pueda ser su trama, aquí la principal premisa es ponernos una vez más en la piel del personaje. Más aún teniendo en cuenta que nos enfrentaremos a un mundo seis veces más grande de lo que Insomniac consiguió en 'Sunset Overdrive'.
Fecha de lanzamiento y plataformas
Confirmado como exclusivo para PS4, 'Spider-Man' aún no cuenta con una fecha de lanzamiento oficial. Lo único que sabemos es que llegará en algún momento de 2018 y que, con la intención de evitar que tenga que cruzarse con otros juegos populares, podría llegar durante el segundo cuarto del año.
Vídeos de Spider-Man






'Gambito': La película de Channing Tatum sigue en pie

Simon Kinberg, productor de la cinta, asegura que el proyecto sigue en pie y que podremos ver al superhéroe de los X-Men en la gran pantalla.

A pesar de los numerosos contratiempos que está atravesando la película protagonizada por Channing Tatum titulada Gambito, como la adquisición de 20th Century Fox por parte de Disney y el reciente abandono del director Gore Verbinski (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra) del proyecto, uno de los productores del filme ha asegurado que la película sigue en pie. En una entrevista dada a Entertaiment Weekly, Simon Kinberg ha tranquilizado a los fans del superhéroe y ha garantizado que Gambito sigue en pie y piensan llevarla a cabo. "Lo creas o no, todavía estamos tratando de poner en marcha Gambito. La esperanza es seguir adelante hasta que sepamos lo contrario. Para mí, no tengo ni idea de qué esperar, pero creo que podría ser muy emocionante”. Tatum, que además de protagonizar la cinta también la produce, ya quiso dejar claro que solo protagonizaría la película si realmente quedase satisfecho con el resultado del libreto. Por ese motivo están creando algo nunca visto hasta el momento. "Intentábamos hacer algo completamente diferente. Estábamos tratando de hacer algo que este género de película no había visto antes. Ahora realmente estamos haciendo algunas de las cosas que siempre hemos querido hacer con el guion, acabamos de empezar de nuevo". Mientras conocemos más detalles sobre la cinta del mutante de los X-Men, no te pierdas el tráiler de Deadpool 2, la secuela protagonizada por Ryan Reynolds que llega a las salas de cine el próximo 18 de mayo.
'Vengadores: Infinity War': 6 cómics que quizá te guste leer antes de ver la película

La nueva entrega del Universo Cinematográfico de Marvel ya está en los cines españoles.

Por fin ha llegado el día y ya puedes ver en los cines españoles Vengadores: Infinity War. La 19ª película del Universo Cinematográfico de Marvel reúne más héroes que nunca de La Casa de las Ideas para poder frenar al poderoso Thanos en su misión por hacerse con las seis Gemas del Infinito.
Si todavía no sabe quién es este despiadado villano, en SensaCine hemos hecho una pequeña selección de cómics que sin duda te ayudarán a conocer un poquito más al personaje interpretado por Josh Brolin. ¿Te los has leído todos?
THE THANOS QUEST:

Jim Starlin, creador de Thanos, firma esta serie publicada en 1990, considerada como la precuela de El Guantelete del Infinito. En ella, descubrimos cómo Thanos viaja a través del Espacio para desafiar a las entidades que poseen las seis Gemas del Infinito con la intención de arrebatárselas.
EL GUANTELETE DEL INFINITO:
En 1991, sale a la luz la serie de seis números El Guantelete del Infinito, de Jim Starlin, George Pérez y Ron Lim. Por fin Thanos se ha hecho con las preciadas Gemas del Infinito y ahora gobierna el Universo a su antojo. A petición de la Muerte, el temible villano de los Vengadores tratará de acabar con todo lo que le rodea.
LA GUERRA DEL INFINITO:

En 1992 se publicaba la continuación de El Guantelete del Infinito, La guerra del infinito, de la mano de  Jim Starlin, Ron Lim, Ian Laughlin, Al Milgrom, Jack Morelli y Christie Scheele. La serie, formada por seis números, tiene como principal protagonista a Adam Warlock, quien con el Guantelete en su haber tendrá que verse las caras con uno de sus viejos enemigos, Magus, quien sueña con arrbatarle el poderoso artefacto.
EL IMPERATIVO THANOS:

Dan Abnett y Andy Lanning son los autores de la serie de 6 números The Imperative Thanos, publicada en 2010. En esta nueva historia sobre el archienemigo de los Vengadores, Thanos no tendrá más remedio que aliarse nada más y nada menos que con Los Guardianes de la galaxia, para intentar acabar con Cancerverse, una nueva dimensión en la que habitan versiones malvadas de algunos de los Vengadores.
THANOS RISING:
En 2013, Jason Aaron y Simone Bianchi se unireron para lanzar una nueva colección protagonizada por el poderoso villano al que se enfrentan los Vengadores en Infinity War. Bajo el título Thanos Rising Marvel lanzó un total de cinco volúmenes de esta nueva saga en la que se narra la historia de Thanos desde su naciemiento hasta el momento en el que su único deseo es acabar con la humanidad.
INFINITY
Jonathan Hickman, Jim Cheung, Jerome Opeña y Dustin Weaver son los responsables de una de las últimas series de cómics de Marvel -compuesta por 6 números- basadas en Thanos. Un 'crossover' en el que Thanos decide atacar la Tierra junto a la Orden Negra, cuyos miembros se hacen llamar los hijos de este poderoso villano. Mientras los Vengadores luchan contra los Constructores.
Estas son las series (y películas) que llegan a Netflix en mayo de 2018

La cuarta temporada de 'Unbreakable Kimmy Schmidt', la segunda de 'Queridos blancos' y el debut de la primera serie danesa 'The Rain', entre los estrenos más destacados.

Nuevos titulos llegan al catálogo de Netflix en el mes de mayo. La plataforma de 'streaming' por excelencia dará la bienvenida a las nuevas entregas de algunas de sus series originales como Unbreakable Kimmy Schmidt (cuarta entrega), Queridos blancos (segunda) y Trollhunters (tercera), pero también con esperados nuevos estrenos como la serie juvenil postapocalíptima The Rain -primera serie danesa de la plataforma- o el 'thriller' Safe, protagonizado por el ex de Dexter Michael C. Hall.
Además, también puedes contar con nuevas películas originales en el catálogo, estrenos de series en exclusiva en nuestro país, documentales, nuevas entregas de exitosas ficciones y, por supuesto, toda una lista de nuevas películas.
Entérate de todo lo que podrás ver en Netflix a continuación... ¡Y no te pierdas nuestra guía rápida con los estrenos más destacados de mayo de 2018!
SERIES ORIGINALES Y ESTRENOS EN EXCLUSIVA
Unbreakable Kimmy Schmidt - Cuarta temporada completa: 30 de mayo
The Rain - Primera temporada completa: 4 de mayo
Queridos blancos - Segunda temporada completa: 4 de mayo
No necesitan presentación con David Letterman: Tina Fey - 4 de mayo
No necesitan presentación con David Letterman: Howard Stern - 31 de mayo
Safe - Primera temporada completa: 10 de mayo
Fauda - Segunda temporada completa: 24 de mayo
A Little Help with Carol Burnett: 4 de mayo
Bill Nye salva al mundo - Tercera temporada completa: 11 de mayo
Mob Psycho: Primera temporada completa: 22 de mayo
Terrace House: Opening New Doors - Parte 2: 22 de mayo
Trollhunters: Parte 3: 25 de mayo
ESTRENOS DE SERIES EN EXCLUSIVA - EPISODIO SEMANAL
The Break With Michelle Wolf
Sucesor designado - Segunda temporada
Shadowhunters: The Mortal Instruments - Tercera temporada
Dinastía
'Venom': El nuevo tráiler divide a los fans

La cinta de Marvel Cómics, protagonizada por Tom Hardy, llega a las salas de cine el 5 de octubre.

Después de que Sony Pictures estrenara el nuevo tráiler de Venom, el antihéroe de los cómics de Marvel y uno de los mayores enemigos de Spider Man, los usuarios en Twitter ya han comenzado a lanzar sus opiniones acerca del personaje.
En el nuevo adelanto de la cinta descubrimos cómo Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy (Dunkerke), adquiere unas habilidades especiales y el momento en el que el simbionte se mete en su cuerpo. Pero una de las cosas más interesantes del tráiler, es que vemos por primera vez la apariencia de Venom. Para algunos de los fans del universo Marvel, la criatura de la película no rinde justicia al personaje creado por Todd McFarlane y David Michelinie.
Sin embargo, otros usuarios de Twitter están más que sastisfechos con el simbionte y de que la película cuente con la presencia de Tom Hardy y Michelle Williams en el reparto. Todo ello es más que suficiente para querer ver más del nuevo antihéroe de Marvel.
La cinta, dirigida por Ruben Fleischer, sigue la historia del reportero Eddie Brock, que está investigando una empresa llamada Fundación Vida. Durante una visita furtiva a la central, el periodista queda infectado por un simbionte y comienza a experimentar cambios en su cuerpo que no entiende, sobre todo una voz interior que le dirá lo que tiene que hacer: Venom. La película llega a las salas de cine el 5 de octubre.
'Los increíbles 2': La familia Parr y Frozone, protagonistas de la primera escena de la película

Samuel L Jackson ha presentado los primeros minutos de la nueva aventura de Disney·Pixar durante la CinemaCon. ¡3 de agosto en cines!

Los increíbles 2 no se estrena en las salas de España hasta el 3 de agosto, pero los adeptos a las películas de Disney·Pixar están de enhorabuena. El actor Samuel L Jackson ha presentado la primera escena de la secuela durante la CinemaCon celebrada esta semana en Las Vegas y los asistentes a la convención han revelado el contenido exacto de la misma. ¿Quieres saber qué ocurre durante esos primeros minutos del largometraje?
La segunda aventura de la familia Parr se proyecta en la gran pantalla 14 años después de su predecesora, Los increíbles. Todo fan de estos superhéroes recordará que la cinta termina con los protagonistas a punto de enfrentarse con un nuevo villano, el Socavador, y tan solo unos minutos después da comienzo la nueva película de la Casa de Mickey Mouse.
Según indica Deadline, la escena comienza con el agente Rick Dicker en pantalla, detective encargado de proteger la identidad de los superhéroes que intenta obtener información de un estudiante que ha presenciado la lucha de los Parr contra el Socavador. Acto seguido, la familia valora si sería ético enfrentarse a sus enemigos ahora que sus superpoderes "continúan siendo ilegales".
Dash, Violet y sus padres deciden enfrentarse al malvado topo, contando con la ayuda de Frozone, quien aparece con más ayuda para acabar de una vez por todas con este enfrentamiento. Finalmente, la policía logra arrinconar a los protagonistas y el personaje interpretado por Samuel L Jackson consigue escapar, encontrándose en su camino con un hombre anónimo que le promete tener la solución para acabar con las leyes que se oponen al uso de sus poderes.
Este largometraje se centra en la vida de Elastigirl como heroína independiente, ahora que su marido Bob debe quedarse en casa cuidando a sus tres hijos para que Helen pueda trabajar. Además, el retirado Míster Increíble tendrá que lidiar con las nuevas habilidades de Jack-Jack, bebé que hasta ahora no había demostrado ningún superpoder. ¡Echa un vistazo al tráiler sobre estas líneas!
Los guionistas de 'Vengadores: Infinity War' hablan de las debilidades de Thanos

El gran 'crossover' de Marvel Studios, dirigido por los hermanos Russo, se estrena este viernes 27 de abril.

Este viernes 27 de abril se estrena la esperada Avengers: Infinity War de los hermanos Russo y sus guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely (Capitán América: El Soldado de Invierno, Capitán América: Civil War) han hablado sobre cómo han hecho que Thanos sea peligroso y vulnerable a la vez. Vengadores y Guardianes unirán sus fuerzas para que El Titán no consiga con la ayuda de su Orden Negra -Corvus Glaive, Proxima Midnight, Ebony Maw y Cull Obsidian- las seis Gemas del Infinito.
"Thanos era un regalo", contesta Stephen McFeely cuando le preguntan sobre cuál ha sido el personaje con el que más ha disfrutado escribiendo. "Hemos estado esperándole. Y él hace lo que dice. Y no le importa cuál es tu reacción. Así que eso está bien. Normalmente, otras personas tienen cierta sutileza. Él se siente muy seguro. Eso es fantástico, y no es algo que yo tenga".
DESCUBRIR CÓMO USAR LAS GEMAS
¿Acaso Thanos, a quien interpreta el actor Josh Brolin, es invencible? "No podemos hablar de sus debilidades", continúa McFeely. "Tiene una debilidad que es muy importante para la historia", añade Christopher Markus. "Y hablando de sus poderes, sabíamos que, incluso sin el Guantelete [del Infinito], queríamos que fuera el tipo que no ha encontrado rival en la galaxia, masacrando la mitad de cada planeta que pisa. Tiene un ejército, pero él es prácticamente lo más poderoso a lo que te vas a enfrentar, física y mentalmente. Y después queríamos cuidar que, incluso con el Guantelete, cuando consigue una de las Gemas y le ves usándola, no fuera algo como: "Ahora doy puñetazos tres veces más fuertes que antes porque tengo tres Gemas". Hacer eso, y que no descarrilara la película, fue complicado".
"Porque, recuerda, hay muchas personas [que irán al cine] que no son grandes fans de Marvel", sigue McFeely en Collider. "La abuela estará sentada preguntando: "¿Qué es esa piedra verde? ¿Y la roja? ¿Y qué diferencia hay?". Así que llevó mucho trabajo intentar asegurarse de que había razones consistentes para usarlas, y usarlas de formas concretas, especiales y visuales para que lo entendieras. "¡Ah! ¡Esa es la Gema de la Realidad". "¡Ah! ¡Esa es la Gema del Poder". Ese tipo de cosas. Y eso implica mucha gente trabajando. Muchos efectos visuales, y a nosotros intentando descubrir buenos usos para ellas". Te dejamos uno de nuestros vídeos especiales sobre el camino hacia Infinity War [arriba] y también [abajo] su espectacular tráiler en castellano. ¿Quién morirá? ¿Quién sobrevivirá? Después, la Fase 3 de Marvel proseguirá con Ant-Man y la Avispa, Captain Marvel y Vengadores 4.
'Vengadores: Infinity War': ¿Por qué Chris Evans no acudió al preestreno?

El actor que interpreta a 'Capitán América' es el único que no acudió a la presentación de la película.

Ayer por la noche tuvo lugar el preestreno en Los Angeles de Vengadores: Infinity War, al que acudieron casi todos los miembros del Universo Cinematográfico de Marvel. Desde los veteranos como Robert Downey Jr. o Scarlett Johansson hasta los recién llegados como Chadwick Boseman se pasearon por la alfombra roja del esperado evento.
Sin embargo, hubo una gran ausencia: ¿Dónde estaba Chris Evans, el mítico Capitán América? Muchos fans de La casa de las ideas esperaban verle junto a sus compañeros, pero no llegó a aparecer. En realidad no fue una verdadera sorpresa, ya que lo había anunciado previamente.
En cualquier caso, la razón por la que Evans no acudió a la presentación es porque se encuentra protagonizando una obra de teatro en Broadway titulada Lobby Hero, drama escrito por Kenneth Lonergan. Dado que tiene funciones todos los días, puede que resultase un poco complicado estar en el preestreno de Los Angeles por la noche y volver totalmente fresco para actuar en la función de las 7 de la tarde en Nueva York.
Aunque no acudió al evento, siempre podremos verle en pantalla grande a partir de este viernes 27 de abril.
Los dos primeros minutos de ‘Batman Ninja’.

De todas las cintas de animación que llegarán en los próximos meses, una de las más esperadas es Batman Ninja, el salto a la animación japonesa del justiciero de Gotham City que ha dirigido Junpei Mizusaki.
La cuenta oficial de Playstation nos deja ver los dos primeros minutos de la película, en los que asistimos a cómo el Señor de la Noche acaba viajando en el espacio y el tiempo para dar con sus bat-huesos en el Japón feudal.

El final de temporada de The Walking Dead
La paz de los cementerios

La octava temporada dio un cierre a la “guerra total” prometida en el comienzo... pero aún así dejó varios interrogantes algo incómodos.

Diálogos explicativos y armas que explotan inesperadamente. Morgan despidiéndose rumbo a Fear The Walking Dead y Dwight salvándose a último momento de la sentencia que parecía inevitable. La semilla de un conflicto en el corazón mismo del grupo protagonista, Negan derrotado y Rick otra vez encaprichado con sus particulares visiones de cada asunto. Un final de la “guerra total” no tan sustancioso. Ninguna baja apreciable en el grueso del elenco. Ninguna explicación, tampoco, sobre el helicóptero del episodio 14. Con “Wrath” se terminó la octava temporada de The Walking Dead, pero hubo poco de la ira prometida en el título.
A diferencia de otros “season finale”, esta vez no hubo enigma pendiente, nada que tenga en ascuas al público hasta el regreso en octubre. Quizá tenga que ver con el fin del mandato de Scott Gimple como showrunner, quien será reemplazado por Angela Kang, veterana guionista de la serie. La cuestión es que el último capítulo se fue más en preparativos y epílogos que en la batalla propiamente dicha, que de todos modos fue un nuevo recordatorio de quién sabe llevar mejor los pantalones de líder. Cuando Rick se encaminaba a una nueva catástrofe en su ajedrez con Negan, tuvieron que intervenir factores externos –la inesperada traición del nerdo Eugene con su munición adulterada, la aparición de las mujeres de Oceanside— para salvar las papas. Y cuando tenía todo servido para terminar de una vez con el asunto, después de prometer reciamente, una y otra vez, que lo mataría en cuanto tuviera la oportunidad, el sheriff decidió perdonarle la vida al hombre del bate para “tenerlo preso hasta que se pudra”.
Ay, Rick. Más allá de la motivación de las cartas de Carl pidiendo pensar “en lo que viene después”, el barbado líder de Alexandria se las arregló para meter pura incongruencia en su accionar: la semana pasada no tuvo empacho en asesinar junto a Morgan a quienes había prometido perdonar, ahora se le da por la paz con el tipo que reventó a golpes a Glenn y Abraham y luego lo humilló sistemáticamente. Su último acto de la temporada generó de paso una grieta con Maggie, Jesus y nada menos que Daryl, que tuvieron una cumbre secreta que augura un separatismo insalvable. Y eso sin considerar siquiera una nueva demostración de otra escasez de cualidades: ¿cómo llegó a sheriff un tipo que no es capaz de acertarle a su odiado enemigo, con semejante cañón en la mano y a cinco metros de distancia? Otra vez, fue imposible no sentir una corriente de empatía con Negan, quien, canchero aun con una mano herida y su banda en plena rendición, lanzó “Estás herido, soy más grande, soy mejor... ¡y tengo un bate!”.
Y ya que estamos: ¿Dónde quedó Lucille, a esta altura un icono comparable al sable de luz de Luke o la misma katana de Michonne?
La “All Out War” prometida al inicio de temporada, entonces, terminó entre sones de guitarra acústica, flashbacks de Rick y Carl niño en la campiña, el padre Gabriel recuperando la vista, los ganadores ayudando a los Salvadores a reconstruir su refugio, una cartita de amor para Dwight, Maggie admitiendo finalmente a Alden en Hilltop, Jadis en camisa leñadora revelando que en realidad se llama Anne, el regreso de Carol y Ezekiel al Kingdom y un perfume de “comieron perdices” poco coherente con el espíritu de la serie. Los walkersfueron casi un adorno.
Estas son las fechas de estreno de las películas más esperadas de Marvel y Disney

Mientras cristaliza el acuerdo de compra de 21st Century Fox, Disney sigue llenando el calendario cinematográfico de estrenos. Y es que el estudio ha anunciado sus lanzamientos para los próximos cinco años y ha confirmado nada menos que 26 nuevas fechas de estreno entre los que hay títulos de sus sellos más rentables como Pixar, Lucasfilm o Marvel Studios.

Entre los estrenos que la factoría Disney tiene previstos hasta 2023, destacan los remakes de acción real de clásicos como El Rey León, Aladdin o Mulan, las nuevas entregas de Indiana Jones, Toy Story o Frozen, más películas del Universo Cinematográfico Marvel o el Episodio X de Star Wars.
Estos son todos los estrenos de Disney, Marvel Studios y Lucasfilm para los próximos años:
DISNEY
29 de marzo de 2019: Dumbo, película dirigida por Tim Burton
19 de abril de 2019: Penguins, película de Disneynature
24 de mayo de 2019: Aladdin, película dirigida por Guy Ritchie
21 de junio de 2019: Toy Story 4
19 de julio de 2019: El Rey León, película dirigida por Jon Favreau
9 de agosto de 2010: Artemis Fowl, película dirigida por Kenneth Branagh
27 de noviembre de 2019: Frozen 2
27 de marzo de 2020: Mulan, película dirigida por Nikki Caro
MARVEL STUDIOS
En cuanto a las aventuras de superhéroes que llegarán en 2019, Marvel Studios tiene confirmado el estreno de Capitana Marvel, y la cuarta entrega de Vengadores. Pero después, el Universo Cinematográfico de Marvel iniciará su fase 4 y en ella se estrenarán la película en solitario de Viuda Negra (Scarlett Johansson) y las secuelas de Black Panther (Chadwick Boseman), Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) y Capitana Marvel (Brie Larson).
Además, Marvel Studios también prepara Guardianes de la Galaxia Vol.3 y también podría estrenar la quinta entrega de Vengadores con un equipo previsiblemente renovado. Por eso, Disney también ha anunciado seis fechas de estreno para sus películas, pero no ha revelado en qué orden se estrenarán cada una de ellas. Y también ha adelantado una de las cintas que llegaría el 7 de agosto de 2020 a los cines, y ahora, tiene previsto su estreno el 21 de julio de 2020.

27 de abril de 2018: Vengadores: Infinity War
8 de marzo de 2019: Capitana Marvel
3 de mayo de 2019: Vengadores 4
6 de noviembre de 2020: Película sin título
7 de mayo de 2021: Película sin título
30 de julio de 2021: Película sin título
5 de noviembre de 2021: Película sin título
18 de febrero de 2022: Película sin título
6 de mayo de 2022: Película sin título
29 de julio de 2022: Película sin título

LUCASFILM
Entre las fechas de estreno que tiene previsto Lucasfilm para el próximo año está el Episodio IX de Star Wars, dirigido por J.J. Abrams. Pero la productora también prepara el spin-off de Star Wars, centrado en el personaje de Obi-Wan Kenobi, y la primera película de la nueva trilogía de la franquicia, que estará dirigida por Rian Johnson. Pero, para sorpresa de muchos, Disney también ha confirmado el Episodio X de la saga galáctica que también tiene fecha de estreno confirmada.

1 de diciembre de 2019: Episodio IX de Star Wars
29 de mayo de 2020: Película de Obi-Wan Kenobi
28 de mayo de 2021: Primera película de la trilogía de Rian Johnson
27 de mayo de 2022: Episodio X de Star Wars
El juego de horror Closed Nightmare llegará a PS4 en Japón

El título es desarrollado por Nippon Ichi Software

Aunque la época dorada de los juegos de terror ya pasó, el género sigue vivo y algunas compañías continuán con el desarrollo de títulos que buscan llevarnos al límite y aterrorizarnos. Es el caso de Nippon Ichi Software (NIS), quienes anunciaron que su juego de horror, Closed Nightmare llegará a PS4 para el mercado japonés.
NIS informó que Closed Nightmare, su próximo título de horror, llegará a PS4 el 19 de julio en Japón. El título, anunciado oficialmente en enero pasado, presenta un estilo en primera persona que privilegia la exploración y la toma de decisiones. En ese sentido, el juego cuenta con una estructura que se divide en secciones de video, que abordarán algunos aspectos de la historia; texto, donde se tendrá que seleccionar alguna de las opciones y de acuerdo con eso se avanzará hacia algún punto en particular; exploración, donde será posible analizar el entorno en busca de objetos y pistas que ayuden a la protagonista a escapar y acertijos, momento en el que se usarán los ítems que se hayan encontrado.
En Closed Nightmare, el jugador tomará el papel de Maria Kamishiro, mujer que perdió la memoria y despierta en un lugar desconocido solo para darse cuenta que no puede mover el brazo izquierdo. Conforme de sus primeros pasos, la protagonista se enterará que forma parte de un experimento realizado por alguien llamado Chizuru, revelando el objetivo primordial que es escapar de la situación.
Closed Nightmare llegará a Japón el 19 de julio para PS4 y aún no se ha revelado información relacionada con algún posible lanzamiento en Occidente.
Vean la portada de la boda de Batman y Catwoman

En julio se concretará el matrimonio entre el murciélago y la gata, que ha sido el foco de todas las historias que Tom King ha realizado durante el último año.



El próximo 4 de julio será un día de múltiples celebraciones en Estados Unidos, pero una de la que no pocos estarán pendientes será una bastante especial para los fans de los cómics: el matrimonio de Bruce Wayne y Selina Kyle.
Ese día DC Comics publicará Batman #50, el cómic que finalmente concretará la boda entre el hombre murciélago y Catwoman, en un trabajo comandado por el escritor Tom King y que ha dado pie a una historia en la que Batman intentar dar con algo de esa felicidad que le ha sido tan esquiva.
La portada de ese número, realizada por el dibujante Mikel Janin, da cuenta del enlace de Bryce Wayne y Selina Kyle, pero con los trajes de sus otras famosas identidades.
Han Solo: Una Historia de Star Wars. Nuevo Tráiler



Segundo tráiler de Han Solo: Una Historia de Star Wars, el spin off de este año dedicado al carismático caza recompensas en su más tierna juventud. Alden Ehrenreich, como Solo… Joonas Soutamo, como Chewacca… y Woody Harrelson, como Tobias Beckett, son algunos de los protagonistas de esta nueva película de la franquicia galáctica que podremos ver el próximo 25 de mayo.

Análisis de Extinction para PS4, Xbox One y PC

Análisis de Extinction para PS4, Xbox One y PC. El nuevo juego de Iron Galaxy nos propone luchar contra criaturas gigantes -apodadas Ravenii- al más puro estilo Ataque a los Titanes. Si no le tenéis miedo a las alturas, acompañadnos para descubrir qué nos ha parecido este curioso juego de acción "a lo grande".
Iron Galaxy, estudio que a lo largo de su historia se ha encargado principalmente de ports (algunos infames, como la versión de Batman Arkham Knight para PC, y algunos buenos, como la de Skyrim para Nintendo Switch), se atreve ahora con su primer videojuego original: Extinction para PS4, Xbox One y PC. Se trata de un título de acción en tercera persona cuyo principal atractivo es el tamaño de los enemigos.
Nosotros nos ponemos en la piel de Avil, el último de los Centinelas, una suerte de guerreros tremendamente ágiles y poderosos, y los únicos capaces de hacer frente a las criaturas conocidas como Ravenii: monstruos gigantes que ansían la destrucción de la humanidad. A pesar de que su aspecto es muy similar al de los orcos de las historias de fantasía, basta un ligero vistazo para darse cuenta de que la principal fuente de inspiración de Extinction es Attack on Titan (Shingeki no Kiojin), el manganime creado por Hajime Isayama.
Para tumbar a estos coloso, Avil cuenta con una ataque especial denominado "golpe rúnico": manteniendo pulsado el botón L2, el tiempo se ralentiza a su alrededor y una retícula aparece en pantalla, lo que nos permite apuntar a las distintas partes del ravenii de turno. Si le cortamos una pierna la criatura caerá al suelo, impidiendo su avance, y si le cortamos un brazo será incapaz de atacarnos.
Esto que de primeras no entraña demasiada dificultad, se complica a medida que progresa la aventura debido a que existen una gran cantidad de tipos de ravenii: algunos llevan protecciones de madera que hay que destruir antes de poder cercenar un miembro, las de metal cuentan con un candado al que hay que apuntar para hacer que la pieza desaparezca, las de oro disponen de dos candados, e incluso las hay de un material que es imposible destruir, así que debemos recurrir a otros métodos.
Algunos ravenii portan una enorme porra con la que pueden arrasar ciudades a gran velocidad, y también hay carroñeros que forjan armaduras sobre la marcha usando piezas de los ravenii caídos. Como veis, la variedad está a la orden del día, y en los niveles más avanzados nos encontraremos con nuevas variantes y mezclas de todos los tipos, así que es muy importante aprender a reconocerlos para saber cómo actuar. Este es sin duda uno de los mejores aspectos de Extinction.
Sin embargo, las extremidades se regeneran pasado un tiempo, así que cercenarlas es un alivio momentáneo de cara al verdadero objetivo. Para tumbar a estos colosos completamente, es necesario cortarles la cabeza con un golpe rúnico bien dirigido a la nunca (como decíamos, la inspiración de Ataque a los Titanes es más que evidente). Pero para poder ejecutar este ataque concreto, antes es necesario cargar la energía rúnica.
Para hacer esto tenemos varias opciones: por un lado, podemos acabar con chacales, que son versiones en miniatura de los ravenii. Contra ellos, el sistema de combate es el típico de un hack 'n slash, pudiendo realizar golpes y combos a gran velocidad con un único botón (variando el timing entre pulsaciones), ataques aéreos, esquivas... Es bastante espectacular, pero se vuelve repetitivo con mucha facilidad, y la cámara no ayuda en absoluto, complicando bastante las cosas.
Otra opción para cargar energía rúnica es salvar civiles, que encontramos en todos los mapas reunidos en torno a cristales mágicos. Para salvarlos, basta con acercarnos y mantener pulsado el botón triángulo/Y para que sean teletransportados a un lugar seguro... Aunque, si no tenemos cuidado, los chacales tratarán de acabar con ellos.
Extinction se divide en capítulos, que a su vez se dividen en misiones con distintos objetivos. También existen varios objetivos opcionales, que al completarlos nos granjean más puntos de habilidad. Y, en algunos casos, tanto el objetivo opcional como la ubicación se eligen de forma aleatoria. Pero tengamos el objetivo que tengamos, nunca hay que perder de vista el medidor de extinción, un número que se muestra en la esquina superior derecha e indica el estado de destrucción de la ciudad (os podéis imaginar lo que implica que llegue a cero).
De hecho, que Avil muera (algo bastante común, dado que los ravenii pueden mandarle al otro barrio de un golpe) no supone el fin de la partida. La única penalización es el tiempo que perdemos al reaparecer y al tener que volver al lugar donde nos encontrábamos para reanudar la lucha. El centinela es excepcionalmente ágil y rápido; puede dar grandes saltos, correr por paredes, realizar un impulso en el aire o utilizar su látigo para anclarse a distintos puntos del escenario y salir propulsado, todo con tan solo un par de botones.
Por lo general este sistema de desplazamiento funciona, y resulta muy satisfactorio moverse a toda velocidad por los mapeados, pero nos hemos encontrado con diversos problemas a la hora de "escalar" los ravenii. Más veces de las que nos gustaría, hemos luchando por trepar, cayendo sin motivo aparente o topándonos con puntos en los que el personaje no puede escalar... Y cae, teniendo que repetir el proceso. La cámara -insistimos- tampoco ayuda aquí, y el hecho de tener la presión del crono sobre nuestros hombros hace que Extinction resulte en muchos momentos difícil, pero la clase de difícil que deja la sensación de que el juego está siendo injusto, lo que a la larga se traduce en frustración.
Pasa algo extraño con la historia: en determinados puntos, se nos muestran secuencias animadas que cuentan el trasfondo de los personajes y distintos puntos clave; están bastante bien. Sin embargo, el resto del tiempo, y el grueso principal del argumento, se narra a través de cuadros de diálogo que se muestran durante las propias misiones. Es un método muy pobre para contar una historia, que ahce que cualquier interés que pudiésemos tener en los sucesos se esfume rápidamente. Gráficamente Extinction cumple, aunque no es para tirar cohetes. La banda sonora simplemente está ahí.
Además de la historia, Extinction también cuenta con tres modos adicionales: Reto Diario, donde debemos completar un objetivo marcado por los desarrolladores y tratar de superar la puntuación de jugadores de todo el mundo; Extinción, un modo que nos invita a sobrevivir contra hordas infinitas de enemigos y sin posibilidad de reaparecer al morir; y Refriega, que se desarrolla en campos de batalla aleatorios con objetivos y enemigos también aleatorios. Además, cada mapa generado cuenta con una "semilla" (un código), que podemos compartir con nuestros amigos para que traten de superar nuestra puntuación.
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Por desgracia, y a pesar de todo, Extinction se acaba haciendo repetitivo demasiado pronto. Ni siquiera las habilidades que podemos comprar (bastante escasas y sosas, todo sea dicho) para mejorar a Avil consiguen esconder sus problemas, y lo que inicialmente es una propuesta muy espectacular que nos invita a tumbar gigantes... acaba cayendo por su propio peso.
VALORACIÓN
Una idea buena (aunque poco original) que se ve truncada por un control frustrante, una cámara peleona y un desarrollo que se vuelve repetitivo con demasiada facilidad. Si sois capaces de obviar estos problemas y buscáis un juego de acción espectacular en el que tumbar hordas incesantes de orcos colosales, entonces Extinction no os decepcionará.
La Guerra de los Mundos. Primera imagen de su nueva versión

La prestigiosa cadena británica BBC está realizando una miniserie que adaptará la inmortal novela de ciencia-ficción La Guerra de los Mundos, de H.G. Wells. Considerada como pionera en su género, charlamos ampliamente sobre ella en nuestro último podcast de Literatura.


Se está rodando en estas mismas fechas, en Liverpool, donde se encuentran Eleanor Tomlinson, Rupert Graves, Rafe Spall y Robert Carlyle, algunos de los protagonistas que dan vida a los personajes de Wells. Es la primera vez que una producción de imagen real fideliza la novela en su momento histórico, principios del siglo XX. La imagen que han compartido desde el rodaje da muy buenas sensaciones y, si todo va bien, la podremos ver antes de que finalice el año.
Ben Affleck hace realidad el sueño de Mukuta, conocer a Batman

Mantuvo una videollamada con el niño de 11 años enfermo de cáncer y refugiado de El Congo en Estados Unidos.

EL pasado jueves Ben Affleck, dejó a un lado su apretada agenda, para encargarse de un asunto al que Batman siempre acudiría. La llamada fue del pequeño Mukuta, un niño refugiado de El Congo y que sufre un cáncer terminal. La mayor ilusión del pequeño era conocer a Batman y Ben Affleck sin dudarlo decidió llamar al pequeño que se encuentra ingresado en el Hospicio de Atlanta, un hospital sin ánimo de lucro que ofrece atención médica y cuidados paliativos en el estado de Georgia.
El propio Hospital ha compartido la foto del momento en Twitter agradeciendo a Ben Affleck su acto “Un día memorable para MUkuta, que es un gran fan de Batman.Recibió una llamada telefónica de Ben Affleck hoy. Gracias al amplio apoyo de la Comunidad ayudándonos a cumplir con nuestra misión: mejorar las vidas de aquellos a quienes servimos”.
En la foto podemos ver a un Ben Affleck sonriente y un niño de 11 años alucinando de ver a su héroe. El actor, que se encuentra rodando en Hawai su nueva película Triple Frontier está muy comprometido con la comunidad de EL Congo. En 2010 fundó la Eastern Congo Initiative, una ONG que se dedica a ayudar a la población de el Congo ofreciéndoles las herramientas necesarias para el desarrollo de la comunidad congoleña.
La hazaña fue compartida en un primer momento por el actor de películas como Thor o Enredados, Zachary Levi en su cuenta de Twitter. “No todos los héroes usan CAPaS. Aunque, casualmente, algunos dos. Bravo” escribía el actor. Un retuit que Ben Affleck agradeció, ”Mukuta es el superhéroe real”.La respuesta ha obtenido más de cinco mil me gustas, cientos de retuits y comentarios positivos.
HBO es mundial: se estrena la serie Destino Rusia 2018

A través de 10 episodios contará anécdotas de las estrellas de 20 selecciones que competirán en el torneo más importante del deporte.

Desde este viernes 6 de abril a las 22:30 podrá verse por la pantalla de HBO la serie documental Destino Rusia. Compuesta por 10 episodios de media hora la serie se monta sobre las anécdotas en primera persona de futbolistas de todo el mundo en su preparación para el mundial de fútbol en la tierra de Putin.
Los protagonistas principales de los envíos (coproducidos entre HBO Latinoamérica y HBO Europa) serán importantes figuras del futbol latino que brillan en Europa y el resto del mundo.
Destino Rusia 2018 es la tercera entrega de este tipo de especiales, que sigue a las dos series que HBO realizó previo a las Copas del Mundo de Sudáfrica 2010 y Brasil 2014.


Fechas de lanzamiento de videojuegos en abril para PS4, Xbox One, Nintendo Switch y PC



Con la cantidad de videojuegos que salen al mercado a lo largo del año se necesita un calendario para recordar todas las fechas. Para hacerlo más llevadero repasamos las fechas de los lanzamientos de este mes de abril para PS4, Xbox One, Nintendo Switch y PC. Además, también añadimos aquellos para los que no hay fecha de lanzamiento confirmada.
5 abril - 'King of Fighters '97 Global Match' (PS4, PS Vita).
10 abril - 'Dark Rose Valkyrie' (PC), 'Extinction' (PS4, Xbox One y PC) y 'Regalia: Of Men and Monarchs - Royal Edition' (PS4).
11 abril - 'Maelstrom' (PC).
12 abril - 'Death end re;Quest' (PS4) y 'Regalia: Of Men and Monarchs - Royal Edition' (Xbox One).
13 abril - 'We Happy Few' (PS4, Xbox One y PC)
17 abril - 'Yakuza 6: The Song of Life' (PS4).
19 abril - 'Metal Max Xeno' (PS4 y PS Vita).
20 abril - 'God of War' (PS4), 'Nintendo Labo Kit Variado' (Nintendo Switch) y 'Nintendo Labo Kit de Robot' (Nintendo Switch).
24 abril - 'Hora de Aventuras: Piratas de Enchiridión' (PS4, Xbox One, Nintendo Switch y PC), 'Frostpunk' (PC), 'Gal*Gun 2' (PS4 y Nintendo Switch) y 'South Park: Retaguardia en Peligro' (Nintendo Switch).
25 abril - 'SINNER: Sacrifice for Redemption' (PS4, Xbox One y PC).
26 abril - 'Super Robot Wars X' (PS4 y PS Vita), 'The Legend of Heroes: Trails of Cold Steel II: Kai' (PS4).
Zack Snyder explica por fin la confusa “Pesadilla” de ‘Batman v Superman’

¡Por fin! Dos años después de su estreno, el director Zack Snyder sale a la luz para explicar la confusa escena de la pesadilla de Bruce Wayne en ‘Batman v Superman: El amanecer de la Justicia’. ¡Lo compartimos aquí!.

Zack Snyder llevó a cabo una historia excesivamente grande en ‘Batman v Superman: El amanecer de la Justicia‘, con un montón de hilos argumentos y narrativas aparentemente inconexas que se iban conectando una a una conforme avanzaba la película. Sin embargo, la llamada “Knightmare (Pesadilla)” que sufría Bruce Wayne (Ben Affleck) y que podría haber ofrecido un futuro que luego no se recuperó en la ‘Liga de la Justicia‘ dejó a todo el mundo boquiabierto en las salas de cine. Nadie entendía muy bien qué estaba pasando en esa escena y por qué de repente había una especie de metasueño (sueño dentro de un sueño) cuando Batman despertaba y se encontraba a Flash (Ezra Miller) y… ¡Otra vez volvía a despertar!
No obstante, Zack Snyder sigue compartiendo cuáles eran sus planes -ahora descartados por Warner Bros. Pictures– para el universo cinematográfico compartido de DC Comics llamado DC Extended Universe (DCEU) y ha confirmado que la visita que el Caballero Oscuro recibió de Flash venía del futuro y fue real, no un metasueño. Por otro lado, Zack Snyder explicó también la secuencia que gira en torno a Superman (Henry Cavill) enfrentándose cara a cara con Batman en el sueño de ‘Batman v Superman‘ y asesinando al Murciélago de Gotham con sus propias manos. “Ella era mi mundo“, dice antes de hacerlo, una referencia explícita a Lois Lane (Amy Adams).
“Si alguien pierde a una persona muy cercana a él, este podría ser susceptible a una ‘cierta ecuación’ y culpar a un ‘determinado murciélago’ por eventos de los que ni el mismísimo Bruce Wayne sabía nada en esos momentos“, reveló el cineasta refiriéndose a la famosa ecuación de la anti-vida de Darkseid y al hecho de que el Hombre de Acero había sucumbido al dolor provocado por la pérdida y había caído bajo el dominio del villano cósmico. ¡A menos que el viaje en el tiempo se hubiera utilizado para arreglar las cosas, esto confirmad que Zack Snyder estaba planeando convertir el DC Extended Universe en un auténtico mundo post-apocalíptico ya en ‘Batman v Superman‘!
Dilma Rousseff dijo que la serie El mecanismo “asesina reputaciones”

Netflix hace campaña por Temer

Tras el estreno de la nueva producción inspirada en la trama de corrupción Lava Jato, Dilma denunció al cineasta José Padilha por inventar hechos. “Es una narrativa progolpe”, dijo quien fuera destituida en 2016 por un golpe parlamentario.

El reciente estreno de El mecanismo (O mecanismo), la nueva producción de Netflix inspirada en el escándalo de corrupción “Lava Jato” en Brasil, le está generando más de un dolor de cabeza al servicio de streaming. Las críticas sobre la serie subida a la plataforma el viernes pasado generó la indignación de buena parte del pueblo brasileño, por la representación negativa que hace de los ex presidentes Luiz Inácio Lula da Silva y Dilma Rousseff, del Partido de los Trabajadores (PT). La propia ex presidenta dio inicio a la controversia al acusar al creador de la serie, el famoso cineasta José Padilha, de difundir “fake news” (“noticias falsas”) y de mancillar reputaciones. “El director inventa hechos”, escribió Rousseff, molesta, en una nota publicada en su web el domingo. “Él mismo se convirtió en un creador de noticias falsas”, subrayó la ex mandataria. Incluso, según publicó ayer el diario Folha de Sao Paulo, el malestar social se manifestó en un incremento en los pedidos de cancelaciones a la suscripción que el servicio sufrió en territorio brasileño en los últimos días. El mecanismo está disponible en el catálogo que la plataforma ofrece en Argentina.
La ex presidenta, destituida a través de un golpe institucional en 2016, que le permitió al vicepresidente Michel temer acceder al poder, criticó en duros términos a la serie. Según escribió, El mecanismo no es otra cosa que una ficción de “narrativa progolpe”, que forma parte “del tono típico del fascismo latente en el país”. Rousseff señaló que la realización de José Padilha (Tropa de elite, Narcos) “miente, distorsiona y falsifica”, acusando al director y productor de “asesinar reputaciones”. La ex mandataria cuestionó el sesgo de la producción, puntualizando que el famoso cineasta sólo esboza una mala imagen del PT.
El reciente estreno de El mecanismo (O mecanismo), la nueva producción de Netflix inspirada en el escándalo de corrupción “Lava Jato” en Brasil, le está generando más de un dolor de cabeza al servicio de streaming. Las críticas sobre la serie subida a la plataforma el viernes pasado generó la indignación de buena parte del pueblo brasileño, por la representación negativa que hace de los ex presidentes Luiz Inácio Lula da Silva y Dilma Rousseff, del Partido de los Trabajadores (PT). La propia ex presidenta dio inicio a la controversia al acusar al creador de la serie, el famoso cineasta José Padilha, de difundir “fake news” (“noticias falsas”) y de mancillar reputaciones. “El director inventa hechos”, escribió Rousseff, molesta, en una nota publicada en su web el domingo. “Él mismo se convirtió en un creador de noticias falsas”, subrayó la ex mandataria. Incluso, según publicó ayer el diario Folha de Sao Paulo, el malestar social se manifestó en un incremento en los pedidos de cancelaciones a la suscripción que el servicio sufrió en territorio brasileño en los últimos días. El mecanismo está disponible en el catálogo que la plataforma ofrece en Argentina.
La ex presidenta, destituida a través de un golpe institucional en 2016, que le permitió al vicepresidente Michel temer acceder al poder, criticó en duros términos a la serie. Según escribió, El mecanismo no es otra cosa que una ficción de “narrativa progolpe”, que forma parte “del tono típico del fascismo latente en el país”. Rousseff señaló que la realización de José Padilha (Tropa de elite, Narcos) “miente, distorsiona y falsifica”, acusando al director y productor de “asesinar reputaciones”. La ex mandataria cuestionó el sesgo de la producción, puntualizando que el famoso cineasta sólo esboza una mala imagen del PT.
La crítica principal de Rousseff apunta a que El mecanismo pone en boca del personaje inspirado en Lula una frase dicha en la vida real por un senador del partido del actual presidente. “Hay que detener esta sangría”, dice el Lula ficticio en la serie, para pedir que se detengan las investigaciones de Lava Jato.
En la realidad, la frase que la serie le adjudica a Lula la expresó el senador Romero Jucá, del Partido del Movimiento Democrático (PMDB) de Michel Temer, en una charla con otro político grabada de forma clandestina y que está en manos de la Justicia. La revelación de la conversación en la que Romero parecía pedir la salida de Rousseff para evitar las investigaciones sobre la corrupción (“Hay que cambiar el gobierno para detener esta sangría”) causó un escándalo público en 2016. El PMDB renunció entonces a la coalición gubernamental con el PT y apoyó la ilegítima destitución de Rousseff.
Ante las acusaciones, Padilha salió a defenderse. “Cuando uno dramatiza la realidad, ancla la trama en algunos lugares y la suelta de otros. Eso es así tanto en el documental como en la ficción”, sostuvo el director, en diálogo con Folha. Sin embargo, la ex presidenta fue terminante. “El cineasta no usa la libertad artística para recrear la historia nacional, sino que miente y distorsiona, algo de un pusilánime al servicio de una versión que teme la verdad”, manifestó.
Entre las críticas, Rousseff cuestionó que Padilha dejara entrever en la trama que el cambista y contrabandista Alberto Youssef haya participado de la recaudación de la campaña de 2014, algo que el juez Sergio Moro nunca pudo constatar. Hay que recordar que Yousseff, condenado en la operación Lava Jato, actualmente goza de los beneficios de ser un “delator premiado” y vive en su piso de 300 metros cuadrados en San Pablo. “La mala fe del cineasta es escandalosa: dice que yo tenía cercanía con Paulo Roberto Costa, exonerado de Petrobras en mi gobierno”, agregó en la misiva la ex presidenta, acerca del ex director de la petrolera que confesó que recaudaba dinero para el Partido Progresista (PP).
La serie El mecanismo, compuesta por ocho capítulos, se estrenó el 23 de marzo y está basada en varios hechos y escenarios reales del caso Lava Jato (“Lavado de autos”), considerado como el mayor escándalo de corrupción de la historia de Brasil.
Decenas de políticos y empresarios son acusados de haber participado durante años en una trama de corrupción en torno al gigante petrolero estatal Petrobras.
Las películas más polémicas sobre Cristo y otras recomendaciones

En la historia del cine se han proyectado visiones y opiniones de la religión y de la vida de Cristo a través del ángulo de la cámara y por ello se han vuelto polémicas por sus temas y formas de abordar la religión y a Jesús de Nazaret, estas vacaciones de Semana Santa son la oportunidad idónea para ver, reflexionar y saber los puntos de vista.

La última tentación de Cristo (1988)

Grupos de conservadores religiosos quemaron un cine en París, lo que provocó 14 heridos porque no estuvieron de acuerdo con la visión de Martin Scorsese que retrató a Jesucristo de una manera humana: con tentaciones carnales, pecados y tropiezos. “La última tentación de Cristo” ha sido una de las más polémicas en la historia del cine y está basada en la novela de Nikoz Kozantzakis. Estuvo prohibida en México y otros países por mucho tiempo.

La Pasión de Cristo (2004)

Este filme fue duramente criticado no sólo por su crudeza sanguinaria, sino porque la comunidad judía sintió que había un mensaje antisemita, ya que en la película de Mel Gibson relata que la muerte de Cristo fue un complot judío para acabar con la vida del nazareno. Esta película se grabó en arameo, latín y griego y se proyectó, solo que no se dejó entrar a las salas a menores de 18 años por sus fuertes escenas.

El Código Da Vinci (2006)

En algunos países se intentó boicotear el estreno. Esta película fue polémica por la trama, pues  el verdadero Santo Grial fue María Magdalena porque ella fue quien llevó a Jesús en el vientre, y según el largometraje, el Código Da Vinci se fundó una familia (dinastía) que llegó hasta los reyes de Europa. Este filme fue criticado por grupos de religiosos y conservadores por haber tergiversado el cristianismo, la historia del arte y de la Iglesia católica.   

Jesucristo SuperStar (1973)

Hay que imaginar a Jesús cantando (ópera rock) y desdivinizado, más humano, y desde el punto de vista de Judas, por eso fue polémica, sobre todo por presentarse en formato musical, en todo el mundo hubo rencillas dentro de las salas de cine, ya que algunos fieles y fanáticos religiosos arrojaron pintura negra en las pantallas. Eso, más el entorno hippie en que fue ambientada la película.

Ben Hur (1959)

Esta película clásica, aunque no fue polémica, es un filme imperdible que nació de la época de cine de oro de Hollywood, pero toma datos históricos, ya que está ambientada en la época del imperio romano, es una historia de grandes proporciones, narra batallas y carreras emocionantes, también de la vida y el sentir de un hombre que busca su redención, entre el odio y el perdón. Hay una gran escena en un cameo de Cristo.
Capitana Marvel, se confirma el regreso de más personajes del UCM

Marvel Studios confirma que Nick Furia no será el único personaje conocido del Universo Cinematográfico Marvel que regresará en la próxima película Capitana Marvel (Captain Marvel). Protagonizada por Brie Larson y ambientada en la década de los ’90, veremos como la heroína está en medio de una guerra entre dos razas que llega hasta nuestro planeta. Los personajes que se recuperan para esta película son Ronan el Acusador y Korath el Perseguidor, interpretados por Lee Pace y Djimon Hounsou, a los que vimos en Guardianes de la Galaxia… Pero quién ha levantado mayor expectación es Clark Gregg, que vuelve a la gran pantalla como Agente Coulson tras su participación en la serie Agentes de SHIELD.

De paso, aprovechamos para compartir nuevas imágenes del set de rodaje, donde se encuentran trabajando actualmente. La película llegará el año próximo, el 8 de Marzo de 2019. La pregunta es… ¿veremos antes a Capitana Marvel, en Vengadores Infinity War?
Darkseid pronto se unirá a la Liga de la Justicia

El poderoso villano será parte del equipo de héroes en Justice League Odyssey, el nuevo cómic de DC.

En un reciente panel de DC Comics en WonderCon 2018 se anunciaron un par de nuevos cómics de la Liga de la Justicia: Justice League Dark y Justice League Odyssey, donde lo que más ha llamado la atención es que en este último veremos a Darkseid unirse al equipo de héroes (vía CBR).
Como pueden apreciar en la portada de este cómic que cuenta con Joshua Williamson como guionista y Stjepan Sejic como artista, la Liga de la Justicia tendrá a Cyborg como líder acompañado por Jessica Cruz, Azrael, Starfire y por supuesto el comentado Darkseid.
Y es que como se había anunciado previamente, en Justice League: No Justice que llega en mayo veremos cambios importantes en el equipo, donde los miembros deberán formar grupos especializados para combatir amenazas específicas.

Scott Snyder comentó que No Justice preparará una nueva misión para toda la Liga de la Justicia, dándole una nueva tesis e ideología al equipo. Por cierto, como dato curioso el escritor señaló que Darkseid será el Hannibal Lecter del grupo.
De momento los detalles son escasos pero estaremos atentos a más información sobre estos cómics que están programados para estrenarse en junio con todo y el nuevo papel del gobernante del planeta Apokolips.
Chris Evans anunció que dejará de ser el Capitán América

Los Ángeles. A poco menos de un mes del estreno mundial de Los Vengadores 3: Infinity War, Chris Evans, el actor encargado de darle vida al Capitán América, deslizó que sus días como ese personaje llegaron a su final.
“Siempre hay que bajarse del tren antes de que te echen”, contó en una reciente entrevista con el New York Times, y reveló que algunas retomas de Los Vengadores 4 (la última parte de la saga, que llegará a la gran pantalla recién el próximo año) que quedan pendientes, y que se realizarán en pocos meses, podrían representar la última vez que vista el traje y su reconocido escudo.
The Rain. Netflix nos traerá su propia serie postapocalíptica

Seis años después de que un virus letal masacrara a la población, unos jóvenes emergen del bunker donde están protegidos, en el norte de Europa, para enfrentarse al nuevo mundo apocalíptico. Netflix estrenará el próximo 4 de mayo esta serie de producción propia llamada The Rain y cuyo primer tráiler os dejamos abajo. Protagonizada por Mikkel Boe Følsggard, Alba August, Lucas Lynggaard Tønnesen y Lars Simonsen entre otros, explorará la relación del grupo de jóvenes frente al nuevo mundo que se abre ante ellos.

9 Monkeys of Shaolin. El juego que nos llevará a las pelis de Kung-Fu

Pensado para los que disfrutamos de las películas clásicas de kung-fu de los ’70 y los ’80, 9 Monkeys of Shaolin es un juego desarrollado por Sobaka Studio con el que prometen contentar tanto a aquellos aficionados como a los que aporreaban botones con juegos de lucha oriental de scroll horizontal.
Ambientado en la China feudal, Wei Cheng tendrá que poner en práctica sus artes de lucha aprendidas con los monjes shaolin cuando un malvado grupo de piratas acabe con la vida de su familia. Hasta el argumento de venganza nos recuerda a aquellas películas!
Tres estilos de combate distintos que podremos combinar, multijugador cooperativo, 25 niveles que nos llevarán a visitar escenarios típicos del género… Tenéis tiempo de entrenar vuestros mejores golpes, porque llegará el próximo otoño para PC, Xbox One, Nintendo Switch y PS4.
Cannes prohíbe la participación de las películas de Netflix este año por no estrenarse en cines

El Festival de Cannes ha decidido no permitir la participación de Netflix y otras plataformas de streaming con sus películas. Tal y como ha afirmado Thierry Fremaux, director del festival, el servicio de streaming no podrá optar a la Palma de Oro por negarse a estrenar sus películas en los cines, eligiendo en su lugar estrenarlas directamente en streaming.
El año pasado, la participación de la película 'Okja' en el festival trajo consigo una buena dosis de polémica, creando un debate con varios directores con opiniones encontradas sobre si las películas que se estrenan directamente en streaming deberían o no participar. En Cannes, finalmente se han puesto del lado de los más conservadores.
"A la gente de Netflix le encantó la alfombra roja y le gustaría estar presente con otras películas. Pero entienden que la intransigencia de su propio modelo es ahora lo opuesto al nuestro", ha declarado Fremaux, quien también ha dicho que el año pasado tuvieron la esperanza de que Netflix lanzase en cines las dos películas que seleccionaron, pero que finalmente se negaron a hacerlo.
El año pasado y precisamente por su participación en Cannes, Netflix intentó obtener unos permisos temporales para poner sus películas en los cines franceses durante menos de una semana, coincidiendo con su estreno en la plataforma de streaming. Sin embargo, el movimiento fue rechazado por las leyes cronológicas francesas respecto a los estrenos.
Como resultado, el Festival de Cannes cambió después sus normas para vetarle la participación a las películas que no hayan sido estrenadas en cines franceses antes del festival, razón por la que este año definitivamente Netflix no podrá llevar ninguna.
Sin embargo, tampoco ha sido un portazo
Thierry Fremaux tampoco le ha dado un portazo a las plataformas de streaming, ya que ha asegurado que hay que tener en cuenta la existencia de nuevos protagonistas en el cine como Amazon, Netflix, y quizá pronto Apple. Por ello, ha asegurado que defenderán la imagen de Cannes como un festival propenso al riesgo, cuestionando el cine, y sentándose todos los años a cuestionarse qué hacer.
Otro de los guiños de cara al futuro ha sido que Fremaux ha asegurado que Netflix y cualquier otra plataforma de streaming es libre de proyectar sus películas durante el festival, aunque eso sí, siempre fuera de concurso. ¿Será esto algo que acabe cambiando en pocos años?
“Crítica: Astro City, Héroes Cotidianos”. Combinación clásica y legal.

Una de las cosas que permite el extenso estudio del campo metahumano en Astro City es la cantidad de temas que engloba. Si a lo largo de la historia del género sus creadores se apoyaban en un concepto básico para presentar historias de cualquier género o ámbito, el compendio que supone esta serie funciona como un tratado universal donde todas las posibilidades se acumulan en un todo que desglosa cada tema. Una de las virtudes de Astro City es que pica la curiosidad con momentos relevantes de la historia para crear retroactivamente mitologías que les sirvan para explicar momentos ya conocidos o que sirvan para introducir ideas que se rescatarán en el futuro(Busiek hizo algo parecido en Marvel). “Héroes Cotidianos” une versos sueltos que no han tenido encaje independiente en otros tomos por su escasa relevancia numérica, que no en calidad, concentrándolos en un contenedor variopinto y diverso.
Voy a arrancar con las historias a las que aludía anteriormente, empezando por “Esta ciudad”. Retrocedemos a muy principios del siglo XX y sus años veinte donde la alegría y el optimismo de la creación de la ciudad choca con la intolerancia y el racismo. Al igual que muchas localidades de Estados Unidos de esa época, en la que la cultura se enfrenta al odio armados con música y bondad. Los dos episodios que compone esta historia juegan con la fuerza y emoción de los ídolos metahumanos, más sobrenaturales e idealizados que tangibles y conocidos como avatares de la pasión contra la injusticia. Una especie de reflejo del espíritu de las minorías de esa época que transmuta en función de las corrientes culturales y ociosas de una serie de habitantes que van tomando cada vez más confianza en su destino. El pequeño arco argumental no dejará de lado la puntual amenaza que necesita este tipo de evasión referencial, deudor de las historias pulp de brujos y hechicería ancestral escondido en joyas preciosas provenientes de entornos exóticos y misteriosos, donde la tradición de la identidad heroica y su problemática social que implica el pijameo también tiene su foco de atención.
El límite es el Cielo” supone un hito en la serie ya que es la entrega cien de la obra si contáramos con un único volumen. Número doble donde la serie aprovecha para homenajearse así misma y a la Golden Age. De esa época donde sus millonarios imaginarios eran responsables y buscaban el bien general a base de inventiva y valentía donde el enemigo era la amenaza alienígena fruto del fervor del género de los años cincuenta. La mezcla arroja una ucronía fantástica de la Segunda Guerra Mundial llena de justicieros variopintos de uniformes estereotipados pero con mucha razón de ser, dentro de un marco de acción y drama unidos por diálogos de altos valores morales, firmes y respetuosos con un deje conversador coincidente con la época. El episodio es un canto de amor a las historias y el trasfondo que iniciaron este negocio. Además sirve como “origen” al logo de la serie y como what if loco y rompedor de Howard Hughes.
Si ya en entradas anteriores veíamos picotazos del Samaritano como protagonista absoluto, “En Sueños 2015”, el número que conmemora el vigésimo aniversario de la obra, explora la psique del metahumano supermaniano en los momentos bajos, cuando la ansiedad y la desmotivación pueden ser peores amenazas que los villanos con los que combaten. De forma sutil, en apenas un episodio, Busiek hace un interesante estudio de las consecuencias que supondría la desaparición del Samaritano y deja entrever lo que podría acontecer de tenerle de parte contraria. Para ser un tebeo contemplativo y de desarrollo de personaje, los escenarios oníricos y las referencias visuales al pasado de la ciudad y del personaje funcionan para romper la curiosidad y para facilitar el transcurso del embate interior del protagonista.
“Enemigo del Imperio” se convierte en otro cuadrado del mosaico imaginativo y referencial que es Astro City. Nos reencontramos con esos episodios en los que el narrador es un civil que contagia la alegría y el temor que supone la vida metahumana en nuestra sociedad. Lejos de encasillarse en ejemplos de trabajadores, adolescentes, jubilados o delincuentes, aquí la mirada procede del campo contrario. El del niño cuya sociedad es antagonista de la nuestra y los pilares editoriales superheroicos son la principal amenaza. Me refiero a dimensiones alienígenas o paralelas, donde especies inteligentes distintas a la nuestra habitan civilizaciones con una serie de costumbres y prácticas distintas por su propia razón de ser existencial y morfológicas. La Primera Familia, representante de la comunidad heroica, es la referencia/guiño de los Cuatro Fantásticos y la Zona Negativa desde la óptica de un sistema contrario dentro de esta zona dimensional. Esa es la base, el juego de Astro City. Lo demás funciona como crítica a los regímenes totalitarios y al lavado de cerebro de sus ciudadanos contra un enemigo falsamente vendido, un trasunto de Corea del Norte interiorizado por un niño.
Nos despedimos con “La Primera Parte Contratante” donde repescamos la idea anterior. La protagonista no forma parte de la comunidad metahumana y es otro ejemplo de las consecuencias legales de la existencia de este extraño mundo en el nuestro. Lo asombroso y lo extraño contra lo soso y lo legislado. Este doble episodio, como ya pasó con “Héroes Locales”, demuestra lo atinado de su escritor de colocar todas las posibilidades del género en situaciones de relevancia legal (algo parecido a lo que Brian M. Bendis hizo en Powers). Hay que reconocerle que en este apartado Busiek le da al coco y para los que estamos familiarizados en el mundillo legal es muy divertido y estimulante. Además el tío se moja y no se conforma con un tipo disfrazado que se dedica a detener criminales de perfil bajo, sino con toda la mitología mágica que pueblan las series de las editoriales capitales de este mercado. Los escenarios místicos y dimensionales de Doctor Extraño, John Constantine, Doctor Destino, El Tribunal Viviente, Shazam, Eternidad, etc. se transforman en datos de un caso práctico universitario para salvar a la humanidad. Una pequeña joya dentro de este catálogo de buenas historias que significa Astro City, cuyos siguientes valores radican en el respeto a las tradiciones culturales y familiares, la solidaridad con la gente de bien que necesita ayuda y a la relaciones sentimentales de la mediana edad. Una historia redonda y sumamente divertida.
Termino con la ilusionante aparición en esta histórica serie de la dibujante malagueña Carmen Carnero, quien se encarga precisamente del ultimo arco analizado. Que una colección tan continuista en el binomio escritor/dibujante rompa su dinámica con una dibujante española tan joven y prometedora me llena de enorme satisfacción. Su estilo limpio y claro (pero con mucha fuerza interior), realista, detallado y proporcionado (su estilo me recuerda mucho a Mike McKone), alterna de maravilla momentos costumbristas en espacios naturales y urbanos con imaginación y geometría dimensional alucinógena, a la par que aprovecha el leitmotiv de la historia, focalizado en la figura del Ahorcado, para cambiar de registro estilístico en los flashbacks. El honor de ver su nombre grabado junto a Busiek y Anderson en un cómic de Astro City es un premio a la consolidación y éxito de los autores españoles en el mercado estadounidense. Enhorabuena.
Astro City vol. 3 26, 29-30, 37-41, Dc Comics/Vertigo. Astro City, Héroes Cotidianos, ECC Ediciones. Color. Cartoné. 224 pags. Pvp: 22 €. Fecha de edición: Noviembre 2017.
Deadpool 2. Tráiler oficial completo.

El propio Ryan Reynolds ha compartido en sus redes el tráiler oficial de Deadpool 2, el regreso del mercenario bocazas a la pantalla grande. Este no es el teaser que vimos hace semanas, ni ese sketch de la cabina de teléfonos… este es el de verdad, el primer tráiler completo. Dominó, Cable, Coloso… entre otros personajes y el propio Deadpool haciendo free style con la silla de ruedas del Profesor-X. No te lo pierdas!


Crítica de “El hilo fantasma”, de Paul Thomas Anderson, con Daniel Day-Lewis

El brillante director de Vivir del azar, Boogie Nights: Juegos de placer, Magnolia, Embriagado de amor, Petróleo sangriento, The Master y Vicio propio vuelve a sorprender con la historia de Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), un obsesivo y bastante autoritario diseñador de modas en la Londres de los años '50 y su relación con Alma (Vicky Kriep), una joven que se convierte en su amante, su musa y la fuente tanto de sus deseos como de sus desdichas.
El hilo fantasma (Phantom Thread, Estados Unidos-Reino Unido/2017). Guión, fotografía y dirección: Paul Thomas Anderson. Elenco: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville y Sue Clark. Música: Jonny Greenwood. Edición: Dylan Tichenor. Diseño de producción: Mark Tildesley. Distribuidora: UIP. Duración: 130 minutos. Apta para mayores de 13 años.
Si Boogie Nights: Juegos de placer era un carrusel scorseseano y Magnolia, una montaña rusa cassaveteana, si Punch-Drunk Love (Embriagado de amor) era un torrente minelliano-lynchiano y There Will Be Blood (Petróleo sangriento), un monolito kubrickiano-wellesiano, si The Masterse inauguraba con unas espirales hitchockianas e Inherent Vice (Vicio propio) dibujaba un laberinto pynchoniano, ¿cómo cabría calificar la nueva película de Paul Thomas Anderson, El hilo fantasma (para nosotros Phantom Thread)? ¿Y si la imaginásemos como una enredadera? ¿Y si, como nos sugiere la Real Academia, estuviésemos ante una película que trepa y “se enreda en las varas u otros objetos salientes”? ¿Y si, en su afán expansivo e inasible, Phantom Threadestuviese por todas partes y por ninguna al mismo tiempo, como su título espectral parece sugerir? ¿Cómo referirnos sino a una película demasiado febril y disonante (gracias, Jonny Greenwood) para ser considerada estrictamente neoclásica, cómo caracterizar esta obra demasiado original para ser etiquetada de posmoderna, cómo domesticar este film demasiado anti-chic y armónico (¡gracias, Jonny Greenwood!) para ser considerado “moderno”? Con su tallo voluble, su espíritu devocional y su apego a las supersticiones, Phantom Thread se enreda por todo lo largo y ancho del Planeta Cine mientras nos invita a perder la razón y aferrarnos a la butaca.
Hace ya tiempo que el cine de Paul Thomas Anderson (PTA) renunció a instigar nuestra empatía y exigir nuestra entrega sentimental. En ese sentido, resulta útil imaginar al Reynolds Jeremiah Woodcock de Phantom Thread como un trasunto del nuevo PTA, aquel que renació al descubrir el peso de la Historia en There Will Be Blood, un cineasta plenamente consciente de su grandeza (quizá también angustiado por ella), un autor que siente que no debe pasar cuentas con nadie, ni con sus maestros ni con sus espectadores, que le seguimos embelesados al son de sus sinfonías atonales e hipnóticas (¡¡gracias, Jonny Greenwood!!). En su mejor versión, PTA encauza su sentido de la autoexigencia hacia las antípodas de los lugares comunes: ¿quién hubiese imaginado que en su “película sobre el mundo de la moda londinense de los años 50” los espejos jugarían un papel tan secundario, cuando sus primeras películas acudían en cuanto podían al cliché scorseseano de la confesión especular? Por contra, esquivando los cantos de sirena de lo simbólico, Phantom Thread se erige como el film de PTA donde el estudio del deseo y el tormento humanos se fragua de manera más concreta sobre cada milímetro de tela, piel y encuadre: ¡qué logro tan rotundo para una película sobre pespuntes textiles y románticos.
En su mejor versión, PTA encuentra un modo directo, físico (también poético), de materializar las corrientes de amor y aflicción de sus personajes. El luto perenne de Reynolds haya una figuración sublime en el modo resignado en que el modisto le señala a su amada que lleva el nombre de su madre muerta oculto entre los pliegues de su camisa, “cerca del corazón”. Aunque mi hallazgo favorito de Phantom Thread son las gafas de trabajo de Reynolds, cuya presencia destaca en los silentes desayunos que el protagonista “comparte” con sus allegadas. Nada alude con mayor locuacidad al espíritu autoritario y a los ademanes afilados de Reynolds que esa montura arqueada que circunvala, de la comisura de cada ojo hasta la respectiva oreja, el rostro huesudo, severo, en permanente tensión, del artista. La piel y la carne de Woodcock devienen una línea recta, y todo lo demás (sean ropas, paredes, otros seres humanos o la montura de esas gafas) debe encorvarse y dejar espacio para el desempeño del creador. “I make dresses” (“Hago vestidos”), espeta Reynolds emulando, con una dosis extra de autosuficiencia, el “I make westerns” (“Hago westerns”) de John Ford, mientras su actitud desdeñosa y sus súbitos arrebatos de calidez afectiva hacen pensar en una evolución civilizada del Daniel Plainview de There Will Be Blood.
De ser cierta la terrorífica amenaza del retiro de Daniel Day-Lewis, su encarnación del Reynolds Woodcock de Phantom Thread quedará como la coronación final de una mágica comunión entre cineasta e intérprete. Solo Philip Seymour Hoffman podría discutirle a Day-Lewis su reinado como “mejor articulador de intuiciones andersonianas”. Marcado por continuos crescendos y decrescendos, el cine de PTA suele emplear como patrón narrativo la noción de la intuición que se hace idea, para luego eclosionar en acción (una idea discreta y poderosa que Christopher Nolan explicitó, aparatosamente, en la trama de Inception/El origen). Ahí está la mirada fija y muda de Frank T.J. Mackey (Tom Cruise) al verse desposeído de su armazón cínico en Magnolia, el vaivén de Barry Egan (Adam Sandler) en el interior de su oficina mientras se forja el amor de Punch-Drunk Love, las miradas de soslayo que intercambian Freddie Quell (Joaquin Phoenix) y Lancaster Dodd (P.S. Hoffman) en sus primeros encuentros en The Master, los primeros signos de desconfianza que Daniel Plainview dirige a su “hermano” en There Will Be Blood, y finalmente el despertar amoroso de Reynolds Woodcock en la cafetería de Phantom Thread (con aureola resplandeciente incluida), a la que responde uno de los despertares del rencor durante una luna de miel que se nos aparece cual sueño/pesadilla. De un modo nada sutil, PTA utiliza estos derroches de intuición para ralentizar la acción, casi suspenderla, y luego precipitarla hacia lo espectacular: un tratamiento del curso narrativo que, más que al ordenamiento y la premeditación, conduce a un escenario permanente de incertidumbre y revelaciones dramáticas –siempre acotadas por esos majestuosos prólogos y grand finales dominados por voces de off de incierto proceder–.
En su peor versión, PTA sigue arrastrando algunas losas de su propio pasado. En una película razonada en torno a la contención/constricción de los personajes (en ello tiene mucho que ver el disciplinado trabajo de Vicky Krieps como Alma, el objeto de deseo de Reynolds) y en base a la claustrofobia espacial –hay un predominio casi absoluto de los escenarios interiores–, el director necesita seguir apelando al fuego de artificio confrontacional que tocó techo en las disputas animalísticas de Freddie y Lancaster en The Master. Por otra parte, la asombrosa postal de Reynolds perfilado contra los escarpados Alpes suizos (parece que el Lincoln de Steven Spielberg hubiese hallado su particular Monte Rushmore) tiene algo de exceso decorativo, cuando, desde el empleo de los 70mm en The Master, a PTA le bastan los rostros, en primer plano, a veces poseídos por una suerte de arrebato expresionista, para que su cine conquiste una dimensión paisajística.
A la postre, es esa condición todavía visceral y esquiva del cine de PTA, combinada con la fuerza enredadera de Phantom Thread, lo que da cuerpo a una película por la que fluyen, de manera sorprendentemente natural, toda una retahíla de mitos y figuras totémicas. Ahí están Edipo y Pigmalión, la ama de llaves hitchcockiana reconvertida en hermana de Reynolds (y encarnada por una fantástica Lesley Manville, que se gana el derecho de ser el único personaje que mira varias veces a cámara), la sombra del Scottie de Vértigo cincelando al natural la imagen de su amada, la herencia entre bergmaniana y shakespeareana que se manifiesta en una estremecedora aparición fantasmagórica y en la proliferación de anhelos vengativos, o la estela trágico-romántica que apunta a Max Ophüls o David Lean (en el terreno personal, y entre otras cosas, Phantom Thread me ha convencido de que no vale la pena darle una segunda oportunidad a ¡Madre!, de Darren Aronofsky, y su simplista acercamiento a la dialéctica creador-musa).
Finalmente, cabe advertir que la máxima expresión de la naturaleza enredadera de Phantom Thread llega en su inesperado giro hacia las formas y mecanismos de la comedia de enredo de Hollywood. Sin entrar en mayores detalles, apuntaré que la relación entre Reynolds y Alma esboza un reconocimiento de la falibilidad del otro en un sentido no tan lejano a la amoralidad explorada, por ejemplo, en Trouble in Paradise, de Ernst Lubitsch. Todo aquel que conserve en el recuerdo el deslumbrante y descarado encuentro inicial de los ladrones Lily (Miriam Hopkins) y Gaston Monescu (Herbert Marshall) en el hotel de Venecia, donde intercambiaban todo tipo de objetos robados “mutuamente”, tendrá en su mano una adecuada vara para medir la retorcida complicidad entre los amantes de la noche de Phantom Thread. Qué manera inesperada y punzante de acabar de enhebrar esta película arrolladora que nos invita a prolongar el idilio con el más inaccesible de “nuestros” cineastas.

El imponente Batman de Enrico Marini: ‘El Príncipe Oscuro’

ECC publica la primera parte de ‘Batman: El Príncipe Oscuro’ del aclamado Enrico Marini

Hay cómics de Batman que consiguen de nuevo hacerte creer e ilusionarte en la renovación constante de los superhéroes, y a veces para ello no hay que viajar hasta los gloriosos 80 en la época de Frank Miller o Grant Morrison. Es lo primero que se me ocurrió al leer la primera parte de las dos de ‘Batman: El Príncipe Oscuro’ del aclamado Enrico Marini (Liestel (Suiza), 1969) y publicado por ECC Ediciones. En este caso, la espectacularidad del cómic no se encuentra tanto en la historia, que es entretenida, sino en las increíbles ilustraciones y en el acertado diseño de la editorial ofreciendo un cómic más grande lo común, al estilo europeo, que se aleja mucho de esas ilustraciones en los cómics de superhéroes tan brillosos.
Enrico Marini, autor de obras como ‘Las Águilas de Roma’ o ‘El Escorpión’, publica la primera parte de ‘Batman: El Príncipe Oscuro’. Como cuenta en el prólogo, éste es un relato policíaco: “Digamos que es noir, o negro, pero con manchas verdes y moradas”. “Yo estaba trabajando en mi cómic ‘La águilas de Roma’ cuando Batman llamó a mi puerta. En realidad, entró rompiendo la ventada, que es lo que suele hacer cuando tiene prisa. Me miró y me dijo: “Enrico, quiero que escribas y dibujes una historia sobre mí””.
Marini ha sido respetuoso al dotar a los personajes de las características propias del universo Batman. Un Batman investigador pero que puede enloquecer de rabia, un Joker despiadado y bromista, un Alfred servicial… El núcleo de la historia está en el secuestro de una niña que podría ser la hija de Bruce Wayne y la búsqueda de Batman que se toma el caso como algo personal.
Marini elige al Joker como enemigo principal de Batman, un Joker que sigue los pasos del que ideó Heath Ledger y Christopher Nolan en la segunda parte de la saga del Caballero Oscuro, un malvado sin escrúpulos, que siempre va matando a sus seguidores, nervioso, imprevisible, fácilmente irascible y con un cuchillo en la mano. “El Joker. Mi peor enemigo. Mi opuesto. Hay quien dice que incluso el Demonio lo echaría del Inferno a patadas. Y hay quien dice lo mismo de mí”, piensa Batman ante el regreso del Payaso. También aparecen otras clásicos del universo del Murciélago como Killer Croc, Catwoman y Harley Quinn.
El cómic brilla principalmente por sus ilustraciones que se mueven entre el terracota y los azules, con espectaculares imágenes, por ejemplo, de Batman observando o sobrevolando Gotham, el Joker mostrando su reflejo en un cuchillo o el imponente combate del Caballero Oscuro con Killer Croc. El dibujante Jim Lee, director editorial de DC Comics, dijo que esta obra de Enrico Marini tiene “una narrativa cinematográfica, segura de sí misma, evocadora y de imágenes suntuosas, Marini nos deja impresionados con un relato clásico e intemporal de Batman que, al mismo tiempo, resulta innovador, atrevido y brillantemente nuevo”.
Marini demuestra así que hay nuevos modos de enfocar, reinventar e ilustrar a Batman en este cómic, sin repetir las viñetas de siempre ni los mismos enfoques. Muy recomendable.
God of War Lo que ha ganado y ha perdido Kratos en el juego de PS4

Kratos ha cambiado mucho desde los primeros God of War hasta la entrega de PS4, que aparecerá el próximo 20 de abril. En este reportaje repasamos cómo ha cambiado el guerrero espartano para adaptarse a la nueva generación.

La historia de Kratos en God of War tiene unas proporciones épicas. Si en el primer juego de PS2 vimos cómo se enfrentaba al dios de la guerra, Ares, y tomaba su puesto, las dos entregas siguientes narraban una revolución para derrotar a los dioses del Olimpo. Kratos lideraba a los titanes -con mención especial para Cronos y Gaia- para vengarse de unos dioses caprichosos.

En God of War Ascension ya apreciamos el primer cambio físico del personaje. Era una precuela, y por tanto el guerrero era más ágil, pero había perdido presencia física. Aunque fuese la peor entrega de la saga (por detrás de los juegos numéricos y de las versiones de PSP: Ghost of Sparta y Chains of Olympus) la verdad es que ofrecía un retrato más completo del personaje.
El cambio físico:


La evolución más evidente del fantasma de Esparta está en su nueva apariencia. El paso del tiempo se refleja en su barba poblada, en lugar de la perilla y unas cicatrices menos marcadas. Kratos ha envejecido, y aunque no pierda masa muscular, sí tiene mayor volumen. En la cara también se notan algunas arrugas.
Las piezas de armadura metálica en su hombro derecho y en los antebrazos se han sustituido por una hombrera de cuero. Y como está en un ambiente más frío, en lugar de calzar grebas y sandalias, lleva unas botas de piel, que también le dan mayor solidez. La imagen de Kratos parece más venerable y menos agresiva, como corresponde a su nuevo papel en el juego.

Una nueva familia:

Si recordáis la historia de Kratos, el color pálido de su piel es el de las cenizas de sus víctimas. En God of War II podíamos ver cómo Ares le había engañado para que él mismo matase a su esposa Lisandra y su hija Calíope, y de ese modo se condenó a llevar este recordatorio por siempre.
En God of War, sin embargo, Kratos tiene una nueva familia: una mujer y su hijo Atreus, que han estado alejados de él, viviendo en una cabaña oculta en el bosque. Aún no conocemos qué explicación tiene esta nueva familia, y por qué Kratos no le ha confesado a su hijo adolescente que en realidad es un dios.
Cambio de arma:


Durante los tres primero juegos, el guerrero espartano estuvo armado con las Espadas del Caos (aunque también podía cambiar de arma). Eran dos hojas forjadas en el Hades, que se sellaban a sus antebrazos con cadenas. Después de que Kratos se enfrentase a Ares, sus armas fueron sustituidas por las Espadas de Athena, con características similares. Se supone que una vez que Kratos empuña estas espadas nunca podrá desprenderse de ellas.
No obstante, al comienzo de God of War para PS4, vemos que el único recuerdo que queda de aquellas hojas son los vendajes en los brazos del guerrero. Puede que se las haya arrancado para dejar atrás su vida de destrucción, pero eso no significa que esté desarmado. Ahora posee el hacha Leviatán, forjada por los hermanos Brok y Sindri Huldra (quienes también forjaron el martillo de Thor, Mjolnir). Tiene el nombre de una criatura marina, y su hoja está cubierta de runas que le confieren poderes especiales.

Menos habilidades:
Una de las decisiones más polémicas de la nueva entrega es privar a Kratos de sus habilidades de salto o de nadar. Pero eso no significa que se encuentre más limitado. Los movimientos se han "reconvertido" a botones contextuales, que sólo se activan cuando nos acercamos a un punto del escenario determinado.
Por ahora no le hemos visto sumergirse, pero sí navegar en una pequeña canoa, arrastrar enormes troncos, trepar o colarse por las pequeñas grietas de la pared. Para resolver los puzles puede lanzar su hacha para romper sellos y congelar elementos, como cadenas y poleas.

Combate más estratégico:
Los combates de God of War eran frenéticos. El comportamiento del personaje era completamente ofensivo, y cualquier jugador era capaz de conectar combos de más de 100 golpes, que se completaban con sangrientos QTE. Había diferentes tipos de ataque especial: la furia de Poseidón, la furia de Cronos y la furia de los Titanes. La acción se congelaba durante unos instantes para darle más impacto a los combos.
En el juego de PS4  nos encontramos con un componente más estratégico: hay que alternar los ataques con movimientos para esquivar o paradas (con un escudo circular). La posibilidad de lanzar el hacha y recuperarla, con el botón triángulo, permite combatir a distancia. Cuando un medidor de ira se llena, podemos desatar la furia espartana presionando L3 + R3. En la última entrega de la saga, la acción es más fluida, pero también se recurre a la cámara lenta para hacerlo más espectacular.

Sentido del espectáculo:
Quizá la mayor carencia en lo que hemos visto de God of War es que ha desaparecido ese sentido grandilocuente de la acción de los juegos anteriores. No hay una ciudad reduciéndose a escombros, ni una criatura gigantesca que desafíe los límites de la escala en un videojuego. Si se nos permite la expresión, parece una historia "más íntima".
Simplemente se trata de un cambio de ritmo. La cámara al hombro y el hecho de que todo el juego esté narrado en un único plano secuencia nos permite disfrutar mucho más de los combates, son más viscerales porque tenemos una perspectiva cercana. Quizá por eso se ha cambiado el color de la sangre de los monstruos (anaranjada en lugar de roja).
Al comienzo del juego, nuestro antihéroe se enfrenta a un desconocido de apariencia humana; un combate muy interesante en lo argumental (no os lo vamos a destripar, tranquilos) pero sobre todo muy espectacular en el modo en que se destruye el entorno. El próximo 20 de abril, podremos conocer qué más cambios arrastra el nuevo Kratos respecto al protagonista del God of War original.
Estos son los cómics que influenciaron Avengers: Infinity War

Las películas de Marvel Studios se han caracterizado por dar su propio giro a los diferentes cómics de la editorial. Durante las 18 películas que han salido hasta ahora, el MCU no se ha ceñido estrictamente al material de origen, han cambiado arcos, historias y el destino de sus personajes. Pero eso no significa que dejen de recurrir a los cómics para sus adaptaciones.
En ese sentido, en una entrevista con /Film, los escritores de Avengers: Infinity War, Stephen McFeely y Christopher Markus se refirieron a los cómics que los inspiraron para crear el guión de la próxima película del estudio.
Consultados respecto a la influencia de la historia Infinity Gauntlet en los eventos de la tercera Avengers, los escritores anticiparon que no solo ese cómic influirá en la película y que  los leyeron “casi todos”.
Considerando la amplia cantidad de títulos que caben en esa descripción, McFeely  explicó como fue el proceso para unir todo en la historia y que además calce en el MCU.
“Robamos las cosas que son útiles para nosotros y no nos dejamos esclavizar por las que no lo son,” reveló McFeely.
“Bueno también es porque en muchas de esas cosas, como sabes, te encuentras con elementos y personajes de los que no tienes los derechos,” añadió Markus. “Silver Surfer está volando por todas esas cosas, pero es como ‘Estas en Defenders’ (risas). El desafortunadamente viajó a la ciudad Century y nunca más volvió.”
La explicación del escritor da a entender que de alguna manera la ausencia de ciertos personajes por temas de los estudios influenciará la adaptación.
Pero es No es impedimento para que con Infinity War el MCU comience a integrar más abiertamente toda la dimensión cósmica de la que se habían dado algunas pinceladas en películas como Dr. Strange y Guardianes de la Galaxia.
“Es cósmico y loco pero de alguna manera siempre tratamos de aterrizar las cosas. Particularmente en Winter Soldier y Civil War tomamos las historias con las que todos estaban familiarizados, el Capitán América de [Ed] Brubaker y la Civil War de Mark Millar, pero hicimos una sopa diferente con esos ingredientes,” explicó Markus. “Así que haremos algo parecido aquí porque se lo debemos a estos personajes y estas 18 películas.”
Avengers: Infinity War llegará a los cines el 26 de abril.
Primeras reacciones de Pantera Negra la colocan como la mejor película de Marvel

Los críticos, actores y directores han expresado su opinión sobre Pantera Negra y todo parece indicar que Marvel lo ha vuelto a hacer.

Ayer en la noche se llevó a cabo la premiere de Pantera Negra, una de las películas más esperadas de Marvel Studios y de la cual ya podemos esperar lo mejor pues las primeras reacciones no hacen más que alabarla, incluso cuando el que escribe (en un caso) no parece ser muy fanático de la acción en el cine de Marvel.
Bajo la dirección de Ryan Coogler (Creed: Corazón de Campeón - 94%) llega esta película que por primera vez dentro del Universo Cinematográfico de Marvel nos presenta como protagonista no sólo a un personaje negro, sino a todo un país africano como parte fundamental de la historia. Su importancia en la industria de los cómics cuando surgió en 1966 no es irrelevante pues fue en un contexto de racismo y luchas sociales en Estados Unidos, al cual Stan Lee y Jack Kirbyrespondieron con el primer superhéroe negro de los cómics mainstream.
La idea no era ni es simplemente ensalzar una raza, sino normalizarla como se ha hecho con otros héroes como Capitán América, que responde a un país específico. T’Challa es uno de los personajes más importantes de Marvel y gracias a su contexto se iniciaron debates sobre la supremacía blanca y la violencia social que no tenían espacio en otros cómics. En muchas ocasiones, los temas que se tocaron en el papel significaron un riesgo para los escritores y para el propio personaje, pero siempre se mantuvo esta idea y la película, aunque no absorbida del todo por la crítica social, definitivamente respetará ese patrón.
En otro sentido, Pantera Negra es también significativa dentro de su contexto con otros héroes. El estreno de Luke Cage - 96% significó una mayor confianza para los protagonistas afroamericanos, tal y como Jessica Jones - 92% impulsó al equipo femenino. Sin necesidad de presentar al personaje "con pinzas” y excesivo cuidado para no ofender a nadie, las adaptaciones actuales promueven una equidad poco vista en la que los héroes están ahí por sus habilidades y no se trata de una inclusión forzada. El mismo caso sucede con Cyborg (Ray Fisher) en Liga de la Justicia - 41%, donde su raza es lo de menos y la alienación que padece tiene que ver con sus poderes y los cambios físicos que sufrió después de su accidente. La novedad ahora será Black Lightning - 100%, serie protagonizada por Cress Williams y basada en el vigilante de DC.
Las primeras reacciones hacia Pantera Negra son absolutamente positivas y alaban tanto la dirección de Coogler como las actuaciones y los personajes memorables que aporta a su universo cinematográfico. De Killmonger podemos esperar un buen villano con motivaciones y bien desarrollado, lo cual es de destacar pues los villanos son el punto débil de la mayoría de las películas de Marvel Studios.
Pantera Negra es protagonizada por Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Danai Gurira, Lupita Nyong'o, Forest Whitaker, Daniel Kaluuya, Andy Serkis y Martin Freeman. Llegará a los cines el 16 de febrero.

Ben Affleck no se rinde con Batman

El actor ha mostrado públicamente sus deseos de dirigir la siguiente película de Batman, asegurando que su regreso depende únicamente de que detrás haya un buen guion.

El Universo de DC Comics, que Warner Bros. inició con El Hombre de Acero, tiene que decidir sobre la continuidad del actor Ben Affleck como Batman. Ha sido el propio intérprete quien ha querido responder, en una entrevista para Daily Sabah, a las especulaciones sobre su futuro dentro de las películas de DC
El actor ha mostrado públicamente sus deseos de dirigir la siguiente película de Batman, asegurando que su regreso depende únicamente de que detrás haya un buen guion: "Para mí, es interesante, y siempre evalúo esto por el mérito del material. Quiero dirigir una película de Batman, y nunca tuve un guión con el que estuviera contento, así que ahora han vuelto a empezar y han escrito otro".
Según ha continuado explicando "en este momento, creo que hay muchas posibilidades diferentes sobre la forma en la que podría avanzar el universo DC, y solo seguiré mis intereses para lograr eso. Y lo que sé es que me encanta trabajar con este grupo de personas, y fue una verdadera alegría para mí hacer esta película".
Hay que recordar que cuando se anunció que el actor se uniría a Batman vs Superman: El Origen de la Justicia recibió críticas de muchos espectadores. Ben Afleck además renunció a la dirección de The Batman por los problemas personales que acarrea. Ahora todo apunta a que el director Matt Reeves no lo quiere de vuelta. De hecho, podría haber presentado una lista de candidatos para suplir al actor.
'Vikings': Primer vistazo a Floki en Islandia

La quinta entrega de la serie de History se estrena el 29 de noviembre.

¿Preparados para el regreso de Vikings? La serie de History estrena sus nuevos episodios el 29 de noviembre después de una cuarta entrega que supuso un antes y un después en la ficción. Y es que, los reyes Ragnar (Travis Fimmel) y Ecbert (Linus Roache) han muerto y una nueva generación de guerreros está en alza. Pero, ¿dónde deja eso a Floki (Gustaf Skarsgård), el amigo y aliado de Ragnar? El inicio de la quinta temporada responderá a esta pregunta. No obstante, si no quieres quedarte con las ganas, EW ha publicado el primer vistazo del personaje en su llegada a una nueva tierra que en algún momento será conocida como Islandia. En las fotografías, se puede ver a Floki maravillado por el nuevo lugar en el que se encuentra mientras observa una cascada Antes del estreno de la quinta temporada, History ha renovado la serie por una sexta entrega que constará de 20 episodios de los cuales uno de ellos estará dirigido por Katheryn Winnick, actriz que interpreta a Lagertha en la serie. Además, la futura temporada ofrecerá a la audiencia una importante e inesperada revelación. Sobre estas líneas, no te pierdas el tráiler de la cuarta entrega.

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La danza y la música sellaron una sensacional Gala Patria

Con la participación estelar de Hernán Piquín y un programa  cargado de patriotismo y tradición, el Teatro del Bicentenario aplaudió  de pie en la víspera del día de la patria.

El eximio bailarín Hernán Piquín, junto a la sanjuanina Victoria  Balanza, deslumbraron con su danza. Además, se destacó la participación  del Ballet Folclórico Nacional y los ballets de Gerardo Lecich y el  Ballet Folclórico de Juan Pelletier. En lo musical, brilló lo hecho por  la Camerata y los solistas Mili Yacante y Kuky Vega.
La noche se abrió, musicalmente, de la mano de la Camerata que  interpretó "Corazón" y "Puentecito de mi río", junto a Kuky Vega y  "Gringa Chaqueña" y, con Mili Yacante. Estas canciones fueron  coreografiadas por Juan Pelletier e interpretadas por su destacado  ballet.
Más tarde llegó el turno del tango, con "Volver" y "Milonga  Sentimental" que fueron interpretadas por la Camerata y la danza de los  talentosos bailarines dirigidos por el maestro Lecich.
Siguiendo el acento del 2x4, de la mano del gran Hernán Piquín y la  virtuosa sanjuanina Victoria Balanza, quienes provocaron la primera  ovación de la noche cuando danzaron al ritmo de Libertango, del maestro  Astor Piazzolla.
Posteriormente, la Camerata interpretó el malambo de Ginastera,  mientras que la compañía de bailarines comandada por Pelletier se sumó  su cuota de danza. En la segunda parte, la protagonizó el Ballet Folclórico Nacional,  con 60 artistas en escena, que deslumbró al público danzando “Cuando  sale el sol”, "Melancólico" y "Malambo pa´los pobres". Esta última fue  una recreación de la Media Caña y Ritmo de Chaya. Ese repertorio también  incluyó la "Chacarera de la Luna" y, por último, el Pericón Nacional de  Argentina y el Malambo. La noche cerró con el Himno Nacional Argentino interpretado por la  Camerata, a las 00 en punto, cuando ya se cumplía el 207 aniversario de  la Patria.


Los sanjuaninos vivieron una verdadera fiesta patria

En conmemoración a los 207 años de la Formación del Primer  Gobierno Patrio de Argentina, el Auditorio Juan Victoria fue escenario  de los festejos con la presentación de Chango Spasiuk, Rolando García  Gómez y Pascual Recabarren.

San Juan se sumó a los festejos patrios y, en este marco, el  Ministerio de Turismo y Cultura llevó adelante un espectáculo en el  Auditorio Juan Victoria. A sala llena, Horacio “Chango” Spasiuk dejó su  talento en el escenario y fue ovacionado por los presentes. Además del  compositor y acordeonista, también fueron parte de esta velada, los  sanjuaninos Rolando García Gómez y Pascual Recabarren. El espectáculo tuvo dos partes. En la primera, Pascual Recabarren  interpretó el poema patrio “Y adentro qué?”, junto a Darío Bence y  Rolando García Gómez, quien marcó los acordes con su guitarra del Himno  Nacional Argentino. Para cerrar esta noche patria el acordeonista Chango Spasiuk, junto a  su banda deleitó al público sanjuanino. El repertorio tuvo un  componente musical donde se vieron plasmadas las raíces del músico y el  espíritu patriótico de la velada. Además, Giselle Aldeco, participó con  el Chango siendo ovacionados por el público. Con aplausos, emoción y ovación, el concierto finalizó tras dos horas  de duración y dio paso a un brindis que tuvo lugar en foyer sur del  Auditorio.
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